Por Manuel Montali l LVSJ

-¿Cómo murió Rodriguez?

Dos personas, un musicólogo y un fan sudafricanos, buscaban a un músico muerto en Estados Unidos.

Jesús Sixto Díaz Rodriguez, “Sugar Man”, hijo de inmigrantes mexicanos, había grabado dos discos en Detroit: Cold Fact (1970) y Coming From Reality (1971).

Era un mito ya en esos años. Se hablaba de que era un obrero de la construcción o un homeless que iba de refugio en refugio con su guitarra.

Las calles de Detroit, en los setenta, eran problemáticas.  Pero no para Rodríguez, que las usaba de oficina. Allí arregló contratos para grabar sus dos discos, con un puñado de canciones sensibles, tristes, comprometidas. 

Uno de sus temas comienza así: “Porque perdí mi trabajo dos semanas antes de navidad”. Fue la última canción que grabó para su segundo álbum. Tenía todo para ser un éxito. Pero no lo fue. Sus productores nunca entendieron por qué. No vendió nada. Y dos semanas antes de navidad, la compañía discográfica lo echó.

Rodriguez veía más allá de sus gafas negras.

La historia siguió, pero en otro mundo. 

Alguno de los cinco o seis discos que vendió viajó de casualidad desde Estados Unidos a un par de países perdidos en el hemisferio sur. Hay una leyenda de una chica norteamericana que fue a visitar a su novio en Sudáfrica y llevó con ella un casete de Rodriguez. Esa primera copia se fue pirateando, luego algún sello reprodujo el disco y sus canciones anti establishment se volvieron himnos de resistencia en la Sudáfrica del Apartheid. Los intentos de censura hicieron que su figura se alzase como la de un Bob Marley misterioso, del que no se sabía más que lo que contaba en sus letras y al que apenas si se conocía por una foto difusa. Su música fue el soundtrack de los adolescentes de clase media blanca desde mediados de los setenta. 

Y eran ellos los que esparcían los mitos. Se decía que, ante las bajas ventas, Rodriguez había cantado su última canción sobre un escenario, había agradecido y se había disparado. O que se había tirado petróleo y prendido fuego. O que se había despedido con una sobredosis.

En algún momento, un musicólogo y un fan se propusieron encontrar respuesta a la pregunta de cómo había muerto en verdad. Intentaron seguir la pista del dinero, de las regalías, pero los caminos y las puertas se cerraban.

En los albores de Internet, en la segunda mitad de los noventa, comenzó una suerte de cacería online por Rodriguez. Llegaron al fin hasta Mike Theodore, co-productor de Cold Fact. Y lanzaron la pregunta: 

-¿Cómo murió Rodriguez? 

La respuesta superó cualquier leyenda: 

-¿Cómo que murió? Rodriguez vive en Detroit.

Para el musicólogo, esa contestación cerraba su historia. Escribió un artículo, “Buscando a Jesús”. La investigación, increíblemente, hizo el camino inverso al de la música, y llegó hasta Eva, hija de Rodriguez. Ella se puso en contacto con los investigadores. Y así nació otra historia.

Los hombres muertos no giran. Pero Rodríguez no estaba de acuerdo con su propia muerte. Se hicieron los arreglos necesarios. En marzo de 1998, en Sudáfrica, Rodríguez demostró en vivo que estaba vivo. No había triunfado con la música, era un working class hero, un obrero de la construcción involucrado con el activismo local. 

El cantante al que en su país lo habían despedido dos semanas antes de Navidad, ahora tocaba para auditorios repletos. “American zero, South African hero” (Cero en América, héroe en Sudáfrica), fue uno de los titulares sobre este Jesús que había vuelto de la muerte y disputaba popularidad con su homónimo bíblico al mejor estilo Lennon. 

Malik Bendjelloul oyó esta historia en un viaje por Sudáfrica y luego filmó el documental “Searching for Sugar Man”. En 2012 ganó un Oscar. Hasta entonces, Rodriguez seguía siendo anónimo en Estados Unidos. Su historia les cambió la vida a muchas personas. Quizá al único que no le cambió nada fue al mismo Rodriguez. Él volvió a la realidad, a su vida modesta en Detroit, hasta su muerte en 2023. 

Nadie supo nunca cuál fue el deseo que pidió en la Navidad en que perdió su trabajo. Pero muchos se lo imaginan.

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Por Manuel Montali l LVSJ

Volaban los tiros y caían los muertos. Era 1914 y había comenzado la Primera Gran Guerra. En un campo de batalla de Ypres, Bélgica, soldados alemanes se enfrentaban con tropas aliadas. 

Fue en medio de ese horror, el 24 de diciembre, que algunos soldados alemanes tomaron una decisión que podría haberles costado la vida en un tribunal. Decidieron celebrar la Navidad, allí, en sus trincheras sucias de barro y sangre. Y decidieron no hacerlo solos, sino que invitaron también a los aliados.

Compartieron sus escasas pertenencias, algunos puros, whiskey, chocolate. Se enseñaron fotos de familiares y diarios de sus países. Se cuenta que hasta cantaron villancicos y decoraron sus trincheras. Enterraron a sus muertos. Rezaron.

El alto el fuego siguió al día siguiente, que fue cuando apareció una pelota de fútbol entre soldados del país que había inventado ese deporte. Los británicos invitaron a los alemanes a jugar. 

Por un rato, el que vestía diferente volvió a ser un hombre como cualquier otro, un rival eventual en un juego deportivo, pero en definitiva, una persona.

Como Gary Lineker dijo alguna vez, el fútbol es un deporte que inventaron los ingleses, en el que juegan once contra once y siempre gana Alemania. Ésta no fue la excepción y los teutones se impusieron 3-2. Pero el resultado es lo menos importante de esta historia.

Jorge Luis Borges definió a este deporte diciendo que son sólo 22 tipos corriendo detrás de una pelota. Pero el mismo Borges, desde las líneas de un poema, dijo que dos soldados enfrentados en otra guerra, Juan López y John Ward, “hubieran sido amigos, pero se vieron una sola vez cara a cara, en unas islas demasiado famosas, y cada uno de los dos fue Caín, y cada uno, Abel”.

Cuando terminó la tregua de Navidad, cuando la pelota dejó de rodar, los soldados se despidieron de sus enemigos y tuvieron que volver a sus trincheras a seguir matándose. El milagro no se repetiría nunca más.

“El fútbol es tierra de nadie”, escribió uno de los protagonistas del encuentro en una carta. Quizá, la frase que mejor lo definiría es: “El fútbol es tierra de todos”.

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Por Manuel Montali l LVSJ

“El jolgorio de los paganos”. Eso era, para Oliver Cromwell y los suyos, lo que ocurría en Inglaterra cada 25 de diciembre. Decoraciones, cantos, comidas y bebidas que nada tenían que ver con el verdadero espíritu religioso de la festividad.

Contreras a la Navidad y las celebraciones hubo siempre. Pero fue en 1643 cuando empezó a hacerse sentir el movimiento que quería darle mute a los villancicos. Tras años de lucha, los puritanos vestidos de sombra lograron que el Parlamento inglés les diera el gusto, y se declaró ilegal toda celebración que se alejara del más estrecho recogimiento religioso en el día asociado al nacimiento de Cristo.

Es cierto que la fecha solía incluir gente cantando desnuda, carreras de caballos, peleas de gallos y mucho borracho en la calle. Cromwell y sus seguidores argumentaban que no había ninguna referencia en la Biblia de que Cristo hubiera nacido ese día, que además estaba emparentado con las celebraciones paganas y la Saturnalia de los romanos. Es decir, días sin norma en donde todo exceso estaba permitido.

Por supuesto, la supresión de Navidad no podía tener efecto mientras Carlos I y la monarquía siguieran gobernando. Pero, acechados desde 1642, cuando se desató la Revolución inglesa, terminaron siendo sacados a patadas por el poder legislativo. Cromwell firmó a favor de la pena de muerte del rey en 1649. Y asumió en 1653 como Lord Protector (título máximo en el nuevo orden). Desde esa posición, movilizó al ejército para arrasar hasta el último vestigio navideño. La rebeldía de quienes colgaban alguna guirnalda en sus puertas terminaba en paliza o cárcel. Sintiéndose quizá como Cristo al echar a los mercaderes del templo, lo único que permitía Cromwell era la misa. Las consecuencias alcanzaban incluso a quienes no atendían sus comercios el día 25. Pero quienes sí iban a trabajar tampoco la pasaban tan bien, pues recibían el abucheo de todos los que resistían. Las clandestinas, en esa época, eran las fiestas navideñas puertas para adentro.

Cromwell fue un sujeto controversial y divisor de aguas hasta el día de hoy. Los motes que se le imponen van desde regicida y dictador hasta líder popular, estratega, progresista, defensor de la libertad, restaurador de leyes... Fue quien propició el único período en que el Reino Unido se libró de reyes para acercarse a un modelo de república. 

La Navidad fue solo uno de sus focos de conflicto. Impulsando la figura de la Mancomunidad inglesa, dominó con brutalidad a Irlanda y Escocia: al puritano, todo; al hereje, ni justicia. 

Para muchos, igual, pese a ver con gusto que el poder de los reyes podía derramarse ahora un poco más sobre el pueblo, lo de la Navidad parecía extremo. Lo más difícil de tolerar era incluso que el 25 de Diciembre dejaba de ser feriado. Ni celebración ni descanso. El mismo Parlamento tuvo que sesionar en dicha fecha desde 1644. 

Pero todo concluye al fin, nada puede escapar. Aun Cromwell y la prohibición de la Navidad. Tras su muerte en 1658, y el regreso al poder de la monarquía, encabezada por el rey Carlos II, desde 1660 la fecha pudo volver a festejarse. 

Los monárquicos, sin rencores ni revanchismo, se permitieron un adorno muy especial: desenterraron el cadáver de Cromwell y exhibieron su cabeza durante años, como si fuera la estrella de Belén.

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Durante los días 9, 10 y 11 de noviembre, la ciudad de San Francisco será una de las sedes del Encuentro de Cine Europeo en la Argentina en su Edición XIX - Unidos en la diversidad, que nos invita a reflexionar sobre los principios fundamentales de la Unión Europea. 

La programación del ECE recorre distintas miradas que profundizan sobre la dignidad humana, la libertad, la democracia, la igualdad, la justicia y los derechos humanos, para promover el diálogo y el acercamiento intercultural a través de la pantalla.

La entrada es gratuita, sujeta a capacidad de sala, se invita al público en general (+13), a asistir. 

La coordinación del Encuentro de Cine Europeo, que presentará un total de 19 películas de 18 países pertenecientes a la Unión Europea, recae en la Delegación de la Unión Europea en Argentina y cuenta con el respaldo de las Embajadas e Institutos Culturales de Alemania, Austria, Bélgica, Croacia, Dinamarca, Eslovenia, España, Finlandia, Francia, Grecia, Hungría, Irlanda, Italia, Lituania, Polonia, Portugal, Rumania y Suecia. 

Colaboran también las instituciones provinciales y municipales de las ciudades de Argentina que reciben la XIX del ECE, quienes desempeñan un papel fundamental en la realización de este evento que enriquece la vida cultural y cinematográfica de Argentina.

En el Centro Cultural de la ciudad de San Francisco (Mitre esq. Paso), se proyectarán las siguientes películas, según fechas y horarios que se indican: 

Jueves 9 de noviembre, 18:00 hs., Any Day Now 7 /Ensilumi/ (Finlandia, Hamy Ramezan / 82 min / Drama / 2020 / +13); 

Viernes 10 de noviembre, 18:00 hs., Jinetes /Jezdeca/ (Eslovenia, Dominik Mencej / 110 min / Drama / 2022 / +13)

Sábado 11 de noviembre, 18:00 hs., La Traversé (Francia, Florence Miailhe / 84 min / Animación / 2020 / +13).

Sábado11 de noviembre 20:00 hs., Murina (Croacia, Antoneta Alamat Kusijanovic / 92 min / Drama / 2021 / +16)

Adicionalmente, hasta el 12 de noviembre, las películas también estarán disponibles en línea en http://www.cineueargentina.com/ver-online con un número limitado de boletos.

La ciudad está viviendo este fin de semana una fiesta de la cultura. La Feria del Libro se desarrolla con el éxito esperado y demuestra que el placer por la lectura y la afición literaria no son costumbres perdidas en el maremágnum promovido por la revolución digital. Destacadas figuras de la literatura regional, provincial y nacional se dieron cita aquí para participar de las distintas actividades de una feria que, cada año, va adquiriendo más importancia. Son los escritores quienes engalanan el evento, le otorgan prestigio y le permiten trascender las fronteras lugareñas. 

En este marco, la 6ª edición de la feria habilita la intención de rememorar aspectos de la relación que tuvieron dos de las máximas figuras de la literatura argentina. Lo hacemos, permítase la licencia, tomando como paisaje a San Francisco, siendo que ambos caminaron por estas calles, aunque en distintas épocas. 

El primero vivió aquí en los tiempos en los que nuestra ciudad todavía era una aldea. Hasta hace algunos años, en un solar de calle Iturraspe, una placa recordaba que en ese domicilio vivió Leopoldo Lugones, quien fue vecino de la ciudad entre fines de 1894 y mediados de 1895, trabajando como escribiente de un estudio notarial y tramitador. Aún no había nacido el poeta que, medio siglo después, siendo un confeso admirador del escritor nacido en Villa de María del Río Seco, visitó la ciudad para dictar una conferencia. Para muchos es el máximo exponente de la historia de la literatura nacional: Jorge Luis Borges. 

Son varios los estudios literarios que establecen similitudes entre los dos autores. Por ejemplo, en el ensayo “Borges y Lugones, historia de una secreta discrepancia” el filólogo español Luis Veres señala que “ambos, indiscutiblemente, fueron dos innovadores: Lugones, como puente entre el modernismo y el movimiento de avanzados, reunido en torno al círculo martinferrista, tal como lo sitúa Nelson Osorio y Borges como exponente pleno del vanguardismo argentino y como creador de un nuevo tipo de relato. Como Cervantes, Joyce, Proust o Kafka, el lector obtiene la impresión de que en sus libros se concentra la densidad de toda la literatura. Sin embargo, esta afinidad creo que sugiere unos orígenes que hay que buscar principalmente en dos autores: Darío y Walt Whitman, los cuales parecen influir en la riqueza de léxico, en la brillante adjetivación y en la innovación metafórica”.

Más allá de lo estrictamente literario, quizás Borges no conoció la vinculación de Lugones con la ciudad a la que visitó el 14 de agosto de 1956. Pero, aunque tan solo por un día, recorrió las mismas calles por las cuales transitó el autor al que “quería parecerse”, según el retrato detallado que Estela Canto hizo en su libro “Borges a contraluz”, en el que habla “del Borges vivo, del hombre que conocí. Lo presento en una dimensión que se ignora, a través de las cartas que me escribió, aunque todo el tiempo indago la relación entre el hombre y su obra, explicando a ésta por aquél y a aquél por ésta”. Gracias a la relación afectiva – amorosa que mantuvo que mantuvo la autora con el genial escritor, se conocen numerosas anécdotas de su vida y los rasgos de su peculiar personalidad. 

“Quería parecerse a Lugones porque éste era el poeta de moda entre los escritores jóvenes de entonces. Como Lugones, cantó a las lunas suburbanas, a patios, a las novias nostálgicas. Estaba prisionero en el damero interminable de Buenos Aires y creía que nunca iba a salir de él”, escribe Canto, quien –por el contrario- nunca tuvo al poeta nacido en el norte cordobés como uno de sus preferidos. Así, señala que “Georgie”, tal su apodo, “siempre había admirado a Leopoldo Lugones. Durante años yo había intentado infructuosamente minar su lealtad a esta figura literaria tan sobreestimada. Él había decidido admirar a Lugones y en las Obras Completas de 1972 lo evoca con admirativa docilidad”.

Mario Vargas Llosa, en “Medio siglo con Borges” confirma esta admiración cuando retrata al autor de El Aleph: “Perdió la vista hace treinta años y desde entonces le leen. Lo hace su hermana Norah, sobre todo, y los amigos que lo visitan. Es sumamente tolerante con las oleadas de periodistas de todo el mundo que quieren entrevistarlo. Los recibe y les regala algunos de esos retruécanos e ironías que ellos suelen malinterpretar. En pago de servicios, pide que le lean un poema de Lugones”.

No obstante, la relación de Borges con quien fuera vecino de San Francisco en aquellos primeros tiempos fue cambiante a lo largo de los años. Alejandro Vaccaro, en “Borges, vida y literatura” expresó que “en un primer tiempo, el joven poeta iba a discrepar, polemizar, y hasta mostrarse irreverente con Lugones para, años más tarde, declararle una admiración sin reticencias”. 

Borges se quejó del olvido al que fue sometido el Lugones escritor. Dijo en una entrevista que “yo sólo soy un tardío discípulo de Lugones, en mi país, que fue, a su vez, un tardío discípulo de Poe. He hablado siempre de Lugones. Ahora está casi deliberadamente olvidado porque como empezó siendo anarquista, luego socialista, luego partidario de los aliados en la Primera Guerra Mundial, es decir, demócrata, y luego se convirtió al fascismo, la gente lo juzga por esa última posición política suya, pero él jamás medró en ninguno de esos cambios y era un hombre muy recto. Juzgar a un escritor por sus ideas políticas es frívolo y superficial”.

De todos modos, no eludía críticas a la personalidad del cordobés. Lo calificó de “desdichado y desagradable”. En un encuentro, relata Borges, “me animé a hablarle de Paul Groussac”. La respuesta de Lugones tuvo seis palabras: “Un profesor francés. Punto. Ya lo olvidarán. Punto y aparte. Uno se cansaba de que cuando estaba con una persona Lugones terminara todos los temas, salvo en el caso de los cuatro poetas esenciales para él: Homero, Dante, Hugo y Walt Whitman”.

Estas idas y vueltas en la mirada de Borges se manifestaron en el ensayo que escribió sobre la obra del escritor cordobés. Allí expresó que “Lugones encarnó en grado heroico las cualidades de nuestra literatura, buenas y malas. Por un lado, el goce verbal, la música instintiva, la facultad de comprender y reproducir cualquier artificio, por el otro, cierta indiferencia esencial, la posibilidad de encarar un tema desde diversos ángulos, de usarlo para la exaltación o para la burla”.

Asimismo, recuerda Vaccaro en la obra citada líneas arriba, que, en 1955, Jorge Luis publicó en colaboración con Betina Edelberg un ensayo dedicado enteramente a la obra del autor de Las montañas del oro, y cinco años después, el 9 de agosto de 1960, Borges escribió, en el prólogo para su libro El hacedor, encendidas palabras de elogio y admiración en medio de un sueño que jamás se ha cumplido. 

En ese prólogo, Borges imagina un encuentro con Lugones: “Cambiamos unas cuantas convencionales y cordiales palabras y le doy este libro. Si no me engaño, usted no me malquería, Lugones, y le hubiera gustado que le gustara algún trabajo mío. Ello no ocurrió nunca, pero esta vez usted vuelve las páginas y lee con aprobación algún verso, acaso porque en él ha reconocido su propia voz, acaso porque la práctica deficiente le importa menos que la sana teoría. En este punto se deshace mi sueño, como el agua en el agua. La vasta Biblioteca que me rodea está en la calle México, no en la calle Rodríguez Peña, y usted, Lugones, se mató a principios del treinta y ocho. Mi vanidad y mi nostalgia han armado una escena imposible. Así será (me digo) pero mañana yo también habré muerto y se confundirán nuestros tiempos y la cronología se perderá en un orbe de símbolos y de algún modo será justo afirmar que yo le he traído este libro y que usted lo ha aceptado”. 

Años atrás, en este diario, se recordó la visita del genial escritor a nuestra ciudad. “Fue en la tarde del 14 de agosto. Borges se presentó en las instalaciones del Jockey Club de calle bulevar. 25 de Mayo para conferenciar sobre "Filosofía Platónica". Estuvo acompañado por el decano de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad Nacional de Córdoba, Víctor Massut, y el profesor de Introducción a la Literatura de la misma casa de estudios, Emilio Sosa López. Fue declarado Huésped de Honor por el comisionado municipal, Alfredo Ricotini”.

La publicación de este diario en aquella ocasión se explayó sobre las virtudes de la obra borgiana: “La generosa contribución de Jorge Luis Borges a la tarea cultural en que está empeñada su obra merece ser destacada en el doble sentido de su mérito científico y de su aportación humana”. Agrega que “por la diafanidad y belleza de su estilo, la ponderación de su juicio, el vuelo creador, a veces de doliente y delicado escepticismo, que corre por las venas de sus libros y por la manifiesta universalidad de su pensamiento, visible aun en la exaltación individual de los valores que acusa el genio nativo, Borges ha alcanzado en América y Europa, tal prestigio que su nombre figura entre los más prominentes literatos, críticos y humanistas contemporáneos”.

En homenaje a Ada Lovelace, la primera mujer programadora de la historia, Fundación Turing realizará la segunda jornada de ciencias para promover las carreras STEM (acrónimo de Science, Technology, Engineering, and Math: ciencias, tecnología, ingeniería y matemáticas) y alentar a niñas de sexto grado de las escuelas primarias a continuar sus estudios en ciencias de datos, computación, ingeniería, matemáticas y ayudarlas a comprender la importancia del rol de la mujer en la Ciencia.

El evento que será bajo la modalidad taller con  actividades lúdicas en estadísticas, computación y matemáticas, se realizará el próximo 30 de septiembre de 9.30 a 13  en la sede de la fundación cito en avenida Hipólito Yrigoyen 33.

Este encuentro es organizado por la fundación junto a la Universidad Nacional del Litoral (UNL) y Universidad Nacional de Buenos Aires (UBA). 

La jornada es gratuita y el único requisito de las participantes es que sean niñas que estén cursando sexto grado.  Los cupos son limitados y las inscripciones pueden realizarse mediante formulario o escribiendo por WhatsApp al (3564)474477.

Formulario de inscripción : 

https://docs.google.com/forms/d/1npjXyafD_Bwo2C600HdfKlKxqL9KxeBRYCw3swjpB1A/edit

Una de las medidas más recordadas de Raúl G. Villafañe, a poco de asumir la intendencia de San Francisco, en 1936, fue impulsar una academia de Bellas Artes, cuyo primer director fue Miguel Pablo Borgarello. 

Alrededor de la figura de este gran pintor y escultor, y de la de su pareja, Elisa Damar, se fue tejiendo una cofradía de artistas plásticos que marcaron la estética de la ciudad en la segunda mitad del siglo veinte. Oscar Bolaño, Esteban Olocco, Oscar Cornaglia, Rubén Canello, Domingo Alberto, Menén Rognoni y Juan Carlos Bolea son apenas algunos de los muchos nombres que se lucieron en esos años y lograron incluso reconocimiento internacional. Uno de sus últimos protagonistas vigentes, el pintor Luis Taverna, repasó el recorrido de las artes plásticas desde aquéllos años hasta la actualidad.

Taverna, nacido en La Francia, llegó a la ciudad en 1959, para cursar el secundario en el Colegio San Martín. Para entonces, ya pintaba: "Mi padre era carpintero. Siempre lo repito: me cansé de pintarle todos los terciados que encontré", recordó.

Aquí se formó bajo la tutela de Borgarello y Damar. "Te enseñaban a fabricar tu propia pintura, cosa que no se hace más. Yo entiendo, tenés que retocar un cuadro y hoy la pintura viene enumerada, entonces para qué renegar con caseína, huevo, esto y aquello... Vas y comprás la pintura hecha. Pero ellos te enseñaban todo: desde hacerte los cuadros con yeso, madera, cómo balancear un cuadro, qué valores pesan más y menos, qué colores pesan más y menos... Era todo un mundo. Ver todo eso movilizaba el alma".

Luego inició el profesorado de artes en Córdoba, que abandonó por "cuestiones de época", típicas de los gobiernos de facto de la década del setenta, con intervenciones universitarias incluidas. Siguió su recorrida por Italia, regresó para instalarse en el norte argentino, vivió un año en Rafaela y finalmente retornó a San Francisco. Aquí retomaría más tarde el profesorado, siendo parte de la primera promoción de egresados.

Aquí se reencontró con importantes aliados artísticos, como el matrimonio Olocco y Oscar Bolaño, con quien viajó a pintar a Nueva York y también a Italia. Pero sin dudas que su gran socio fue Canello, con quien fundó "La Recova" a fines de los noventa.

"Hacíamos exposiciones de arte y traíamos algún conjunto musical, como Opus 4. Andaba bien eso, pero estaba al lado de una pompa fúnebre... A nosotros nomás se nos pudo ocurrir: cuando no moría el padre de un amigo, moría el tío, así que vivíamos suspendiendo espectáculos. Una vez había venido me parece que Alfredo Alcón, y fue la noche que murieron los 'tres Luises', así que obviamente no se hizo nada. Después de eso, como peña, no seguimos más. Aunque continuamos enseñando a alumnos", rememoró.

Como reafirmación de esta vieja amistad, en el hogar de Taverna, y en el espacio de arte que dirige desde hace algunos años, "La casa de los artistas", se luce una verdadera colección de cuadros de Canello, ya fallecido. "Rubén me sigue llamando la atención y sigo creyendo que fue el mejorcito. Tengo también obras de la señora de Olocco (Adoriz Bono), que es una grande, es fantástica y tuvo que renegar mucho", expresó.

Con su humor característico, sobre la relación en general entre esta comunidad de artistas, recordó: "Existía competencia sana, que es relativa, porque siempre hay quien quiere picar en punta. A lo mejor cenamos juntos todos y al otro día te preguntan por el cuadro de un colega y se responde que cómo se va a arruinar la casa con uno de sus cuadros... Siempre en broma, igual". Porque a continuación aclaró: "De aquéllos años destaco la solidaridad en algunos de los artistas, porque el arte es más que una religión incluso, es una cuestión de creencia, y te hace buena persona; yo no sé si la religión lo hace, pero el arte seguro que sí... Por lo general, el artista es un tipo noble".

Taverna no dudó en señalar que los huecos que quedaron tras la partida de la mayoría de estos grandes artistas que tuvieron tanto protagonismo décadas atrás, "se deben llenar" y destacó que "la escuela de arte funciona bien y tiene buenos alumnos".

No obstante, recalcó que "hoy hay otro tipo de arte, más barato y más comercial, como el de un pintor que estuvo aquí pintando murales y anda ensuciando paredes por todo el país. Es un arte barato, le puede gustar a dos o tres. Se comercializa mucho. Pero las galerías tampoco son lo que fueron, verdaderos bancos. Hoy cualquiera se pone un localcito con diez obras, falsificadas todas, hasta con certificado de originalidad".

En este sentido, opinó que, para que vuelva a coincidir en la ciudad una camada de tantos artistas plásticos de trascendencia "tendría que cambiar un poco la sensibilidad humana, porque la mayoría de los chicos que te hacen el profesorado de arte pretenden dos horas de cátedra en alguna escuelita y después 'Dios dirá', pero Dios no dice. A esto hay que dedicarse en serio. Yo toda mi vida me dediqué no menos de cinco o seis horas todas las noches. Pasás al frente de casa y vas a ver la luz del atelier prendida".

Este pintor, que estima contabilizar unas 300 pinturas de su autoría en San Francisco, llenando los ojos desde casas particulares hasta restaurantes, bancos y hoteles alojamiento, sigue trabajando como en sus primeros días, porque se sabe que las pasiones no se pueden cambiar.

En estos días prepara obras para una muestra de la galería Style de Monte Carlo, que recorrerá también París, Milán, Osaka, Nueva York, Londres, entre otras. También prevé exposiciones en España: "Estoy esperando porque quería mostrarlas acá antes de que salgan de recorrido, y sigo insistiendo con una verdad que es para mí: prefiero vender el cuadro en San Francisco a un precio mucho más barato". ¿Por qué? Para no desprenderse del todo de ellos y poder seguir viéndolos. "Los cuadros se pueden pintar en minutos, pero crearlos lleva toda una vida", ha dicho alguna vez. Allí, quizá, está su mejor explicación sobre su persona, sobre su obra y el arte en general: los cuadros, la pintura, son su vida, ayer y hoy.