El próximo viernes 19 de diciembre, a las 20, quedará inaugurada la muestra del Primer Concurso de Arte “San Francisco en el Arte” en el Centro Cultural San Francisco, ubicado en Mitre esquina Paso. La actividad incluirá la entrega de premios y marcará la apertura formal de la exposición al público.

La propuesta, impulsada por el Club de Leones San Francisco, busca promover la producción artística y revalorizar el patrimonio cultural, social, paisajístico y espiritual de la ciudad, a través de obras que reflejan distintas miradas sobre la identidad local.

La evaluación de los trabajos y la selección de los premiados estuvo a cargo de un jurado integrado por el escultor Damián Bolaño, el profesor Sergio Massera y la gestora cultural Natali Bonaudi, quienes aportaron su experiencia y trayectoria en el ámbito artístico y cultural.

En la muestra se podrán recorrer las obras de los artistas participantes: Sandra Borgogno, Adriana Beatris Cambursano, Nora Castro, Darío Cerino, María Chianalino, Sandra Del Rey, Marcela Ileana Domínguez, Stella Maris Espósito, Eugenia Galván, Nancy Garnero, Valentina Giacaglia Calermo, Martha Iris Haedo, Carlos Fabián Irazoqui, María Verónica Musso, Nancy Estela Pérez de Fernández, Carlos Pioli, Juan Alberto Quinteros, Florencia Temporini, Franco Rubén Tolosa, Mónica Tosi, Cindy Trossero, Anahí Vénica, Ana Claudia Verblud y Adriana Sandra Vocos.

La entrada será libre y gratuita, invitando a la comunidad a participar de una propuesta cultural que pone en primer plano el talento artístico local.

En el marco del Mes Rosa, la Municipalidad de Arroyito llevó adelante una intervención artística en el Monumento a la Madre, ubicado en la Plaza 25 de Mayo. La acción, coordinada por la Subsecretaría de Cultura, contó con la participación del Taller de Dibujo de la Casa de la Cultura y la dirección creativa de la diseñadora gráfica Daniela Zürcher, quien destacó la importancia de unir arte y salud en un mensaje de prevención y esperanza.

Zürcher relató que el proyecto nació a partir de una invitación del área de Cultura local: “En septiembre recibí la invitación de Nicolás Moreno, subsecretario Cultura, Comunicación y Protocolo, para realizar una intervención al Monumento de la Madre. Me encantó la idea, así que me puse a crear un proyecto artístico para trabajarlo junto a los niños del taller de dibujo de la Casa de la Cultura”.

La iniciativa no solo involucró a los pequeños artistas, sino también a los adultos a cargo del espacio cultural, quienes colaboraron en la preparación del lugar. Según Zürcher, la experiencia fue “una construcción colectiva que combinó creatividad, aprendizaje y compromiso social”.

La intervención se centró en el uso de distintas tonalidades del color rosa, un símbolo universal de la lucha contra el cáncer de mama. “Utilizamos para la intervención los colores rosas en varias tonalidades, partiendo de un magenta fuerte y jugando con diferentes tipos de rosa para darle un estilo único”, explicó Zürcher.

La propuesta, sin embargo, buscó ir más allá del clásico lazo rosa. La diseñadora detalló que el objetivo era “salir un poco del símbolo y jugar con la abstracción, con las formas y los colores, para crear algo llamativo que invite a reflexionar”. Desde su mirada, el color tiene un papel comunicativo esencial: “El color también comunica; cuando ves el monumento desde lejos y ves rosa, enseguida pensás en la prevención del cáncer de mama”.

Para Zürcher, la intervención no solo embellece el espacio público, sino que busca despertar conciencia: “Con esto queremos generar un mensaje de prevención, de concientización, de decir ‘tengo que ir a controlarme, a hacerme un chequeo’. Estoy invitando a todas las mujeres a que hagamos esto y nos cuidemos un poquito más”.

La acción en el Monumento a la Madre marcó el inicio de las actividades del Mes Rosa en la región. Niños, familias y docentes se sumaron a la propuesta, aportando pinceladas que simbolizan unidad y compromiso. Tal como resumió Zürcher: “El arte también puede salvar vidas, si logra que una sola persona decida hacerse un control, ya cumplió su misión”.

De acuerdo con lo informado hoy por el periódico neerlandés Algemeen Dagblad (AD), una pintura desaparecida desde la Segunda Guerra Mundial fue ubicada en la Argentina, colgada en la pared del interior de una vivienda en la costa atlántica. Se trata de Retrato de dama, del artista italiano Giuseppe Ghislandi (1655-1743). El cuadro había sido confiscado de la galería del comerciante de arte judío Jacques Goudstikker en Ámsterdam durante la ocupación nazi. Por más de ocho décadas su destino fue incierto: el último registro lo situaba en 1946 en poder de un alto funcionario alemán que había huido tras la derrota del Tercer Reich.

Si bien el medio de Rotterdam no precisó la ciudad donde se produjo el hallazgo, en su nota menciona que el inmueble estaba a la venta en la firma Robles Casas & Campos. Por su parte, el diario La Capital de Mar del Plata especificó que se trata de una casa del barrio de Parque Luro.

Según trascendió, el hallazgo se produjo por azar. Periodistas de AD, con el apoyo del investigador retirado Paul Post, detectaron la obra en fotografías publicadas en la web de la inmobiliaria marplatense que ya no se encuentran disponibles. En una imagen de la casa en cuestión, sobre un sillón verde, se distinguía claramente el cuadro. El inmueble pertenecería a una de las hijas de Friedrich Kadgien, un alto burócrata nazi que tras la guerra escapó de Europa y se radicó en Buenos Aires, donde murió en 1978.

Fuentes del sector inmobiliario confirmaron que la propiedad estuvo publicada a la venta con esas imágenes a principios de este año. Asimismo, uno de los periodistas que firma la nota, Peter Schouten, aseguró en diálogo con LA NACION que durante la investigación obtuvieron la confirmación de buena fuente de que la pintura “seguía allí colgada por lo menos hasta el comienzos del mes”.

Kadgien había integrado la estructura de poder del Reich como colaborador cercano de Hermann Göring, mariscal y uno de los grandes saqueadores de arte del Tercer Reich. Según documentos de la posguerra, Kadgien participó en los planes económicos que financiaron la maquinaria bélica alemana, incluyendo la confiscación de diamantes a comerciantes judíos en Ámsterdam. Con la derrota inminente en 1945, huyó hacia Suiza llevando consigo dinero, piedras preciosas y al menos dos pinturas. Allí fue interrogado por militares estadounidenses, que lo describieron en un informe como “una serpiente de la peor calaña” y le atribuyeron una importante fortuna oculta. Desde allí viajó primero a Brasil y luego a la Argentina, donde reconstruyó su vida.

Jacques Goudstikker fue uno de los principales comerciantes de arte de los Países Bajos antes de la guerra. Judío, huyó apenas iniciada la invasión alemana, pero murió accidentalmente a bordo del barco en el que intentaba llegar a salvo con su familia. Su esposa y su hijo lograron arribar a Estados Unidos, llevando consigo un cuaderno en el que había registrado detalladamente las más de 1100 obras de su galería. Esa documentación fue clave para rastrear, años después, el destino de parte de la colección.

“Tras su muerte, la totalidad del inventario fue adquirido a precios irrisorios por jerarcas nazis. Entre los compradores figuró Göring, que convirtió el saqueo de Goudstikker en una de las operaciones más grandes de apropiación de arte del período. El caso se convirtió, décadas más tarde, en un símbolo de la lucha por la restitución de bienes culturales robados". Hoy, la familia Goudstikker continúa con esa batalla. Marei von Saher, nuera del galerista, lleva más de 25 años encabezando los reclamos legales. “Es el objetivo de mi familia recuperar cada pieza robada y restituir el legado de Jacques”, señaló a AD.

El retrato ahora reaparecido representa a la condesa Colleoni y fue pintado por Ghislandi, retratista del norte de Italia de fines del siglo XVII y comienzos del XVIII. Obras suyas integran colecciones de museos como el Rijksmuseum de Ámsterdam. Aunque su valor económico exacto es difícil de calcular, los especialistas subrayan la relevancia histórica y cultural del hallazgo.

Dos asesores de la Agencia del Patrimonio Cultural de los Países Bajos, Annelies Kool y Perry Schrier, señalaron que las fotos coinciden con las descripciones de la obra desaparecida. “No hay motivos para pensar que se trate de una copia. Las proporciones y los colores concuerdan con la información que tenemos. Una verificación definitiva podría lograrse revisando el reverso del lienzo, donde suelen conservarse etiquetas o sellos que confirman la procedencia”, afirmaron al medio neerlandés.

El descubrimiento abre un nuevo capítulo en la larga disputa por las obras que pertenecieron al galerista Goudstikker. Si bien los herederos planean reclamar la pintura, el proceso podría ser arduo. El principal obstáculo es que la pieza se encuentra en manos privadas. “Cuando un propietario no accede voluntariamente a la restitución, el camino judicial se vuelve largo y difícil”, explicaron expertos en patrimonio.

Schouten dijo a LA NACION que hasta el momento la hija de Kadgien evitó dar explicaciones. “Nos dijo que no tenía tiempo para respondernos y nos bloqueó”.

El hallazgo del retrato de Ghislandi no fue el único indicio. En las redes sociales de una de las hermanas Kadgien apareció una fotografía publicada en 2012 que muestra lo que parece ser un bodegón floral del pintor neerlandés Abraham Mignon, del siglo XVII. Esa obra también figura como desaparecida en los registros de la Agencia del Patrimonio Cultural. Su origen exacto aún no fue determinado, aunque hay hipótesis de que pudo haber llegado a Kadgien a través de intercambios entre coleccionistas nazis tras la muerte de Goudstikker.

El caso vuelve a poner en escena el debate sobre el destino de las obras saqueadas por el régimen nazi, dispersas en colecciones privadas de todo el mundo. En este caso, la aparición en una casa argentina demuestra hasta qué punto el tráfico de bienes culturales atraviesa generaciones y fronteras.

Este sábado 26 de julio a las 17 horas, el Centro Cultural San Francisco (Mitre esquina J. J. Paso) será sede de un conversatorio con la reconocida artista visual y ceramista Mabel Righi. La actividad, de entrada libre y gratuita, incluirá un recorrido guiado por su muestra retrospectiva “La mirada de fuego y arcilla”, actualmente en exposición.

El evento forma parte del Tercer Ciclo de Muestras del Centro Cultural, que también incluye una exposición homenaje a la trayectoria de Beatriz María “Menén” Rognoni de Martínez, y trabajos realizados por los integrantes del espacio “Kurmi, Taller de Libre Expresión”, dirigido por la profesora Stella Espósito.

La modalidad del encuentro será “a pie de obra”, lo que permite una interacción directa entre el público, los artistas y las obras exhibidas. Durante el recorrido, Righi compartirá detalles sobre sus técnicas, procesos creativos, formas de trabajo e intenciones artísticas. También habrá un espacio dedicado al recuerdo de “Menén” Rognoni, con quien compartió años de producción y amistad.

La actividad será coordinada por el licenciado Félix Piñero, especialista que dirige el espacio del Centro Cultural, y tendrá una duración aproximada de una hora.

La propuesta es organizada por la Secretaría de Gobierno y la Dirección de Cultura de la Municipalidad de San Francisco, que extienden la invitación a toda la comunidad artística y al público en general a participar de este encuentro único con el arte y sus protagonistas.

En los muros del Centro Cultural y Biblioteca Popular San Francisco, ubicado en Av. del Libertador (N) 157, comienza a desplegarse un universo de fantasía y color. Entre pinceladas y bocetos, el artista local, Alejandro Marengo, transforma el espacio con un mural que rinde homenaje a la literatura, la imaginación y los personajes ficticios que marcaron generaciones de lectores.

El proyecto, que surgió de forma espontánea, tiene un trasfondo profundamente personal. “Volví de vivir en Villa María y no tenía trabajo. Un día me acerqué a la biblioteca con la idea de restaurar el mural que ya estaba bastante gastado. No tenían fondos, algo entendible porque es una institución que se sostiene con mucho esfuerzo, entonces les ofrecí hacerlo gratis, como un aporte mío a la ciudad y a la biblioteca”, comentó Alejandro a LA VOZ DE SAN JUSTO.

La iniciativa no tardó en sumar voluntades. La pinturería Boetto se sumó al proyecto donando los materiales, y así, el mural comenzó a tomar forma.

En la pared principal ya pueden verse algunos de los personajes que integran este nuevo proyecto. Harry Potter, Alicia en el País de las Maravillas en una versión de estilo animé, y otros íconos de la literatura juvenil empiezan a cobrar vida con una estética moderna y cercana a los gustos actuales.

“La idea es representar personajes de libros infantiles, juveniles y también algunos más recientes, con una estética más contemporánea. Vamos a incluir, por ejemplo, portadas de sagas como Percy Jackson, que hoy están muy presentes entre los jóvenes. Es una forma de atraerlos a la lectura”, explicó el muralista.

Otros personajes que se sumarán son los de Gravity Falls, la saga de las Crónicas de Narnia y algunos más que irán surgiendo con el correr de los días. 

Pero el trabajo no se limita solo a una pared. En la parte opuesta del edificio, donde antes había otro mural, también se está trabajando. “A ese sector lo pintamos de blanco, lo preparamos, y allí vamos a representar escritores argentinos icónicos, junto con dos personajes de cada uno de sus libros. Es un espacio más vinculado a la literatura adulta, a los grandes autores nacionales”, adelantó Marengo.

Para Alejandro, este proyecto no solo representa un aporte cultural, sino también una experiencia profundamente personal. “Me encanta pintar. Hacer murales es para mí una especie de refugio, una desconexión total. Es algo que me hace bien, un cable a tierra”, confesó.

La pasión de Alejandro por los murales se remonta a su infancia. “De chico me fascinaba un mural que estaba en la parte de pediatría de la clínica Cruz Azul. Eran unas hormigas enormes, y yo me imaginaba que se movían, era magia pura para mí”, recordó y agregó: “Mi mamá dibujaba y eso también me inspiró. Empecé con lápiz y después fui animándome al pincel y a la pintura mural”.

Para Alejandro, este mural no solo embellece un espacio. Es también una forma de revalorizar el arte, la lectura y los espacios comunitarios. “Más allá de lo económico, esto siempre suma. Para mí y para la gente que valora el arte, los colores, las historias. Me gusta que quienes pasen por la biblioteca se detengan un segundo y se dejen llevar por esos mundos fantásticos”, concluyó. 

Con el avance del proyecto, la biblioteca se va convirtiendo en un punto de encuentro entre la lectura y el arte visual. Un rincón donde los personajes de los libros se bajan de las páginas y se instalan en las paredes, invitando a soñar.

La escritora, docente y especialista en literatura infantil y juvenil, Graciela Bialet, llegó a San Francisco para participar en las actividades organizadas por las Semanas de la Memoria. Su visita coincidió con un contexto de tensión social en Argentina, marcado por las recientes protestas de jubilados y la respuesta represiva del gobierno. En este marco, brindó un conversatorio titulado "Voces de la Memoria en tiempos de Urgencia" en la Tecnoteca, donde abordó la importancia del arte, la memoria y la educación en la construcción de una sociedad más justa y solidaria.

Desde su vasta trayectoria en la promoción de la lectura y los derechos humanos, Bialet compartió reflexiones profundas sobre la necesidad de mantener viva la memoria histórica, no solo respecto a la última dictadura militar argentina, sino también en relación con las repeticiones cíclicas de injusticia y vulneración de derechos que persisten en la sociedad. Su mensaje fue claro: la memoria no es solo un ejercicio de rememoración del pasado, sino una herramienta fundamental para el presente y el futuro.

Durante la entrevista, Bialet destacó la respuesta positiva de los niños y adolescentes de San Francisco con quienes compartió actividades. "Hoy estuvimos a la mañana con una escuela primaria, muy receptiva, la escuela Iturraspe, los niños participaron fantásticamente y a la siesta con una secundaria. Y casualmente hablábamos de que, yo los llevé a pensar que no estábamos hablando de lo que pasó hace mucho como si estuviéramos en la historia de San Martín. Esto (la represión en la marcha de los jubilados) pasó esta semana y todos asentían con la cabeza, ¿no? Esto acaba de pasar a ancianos, a niños menores, o sea, seguir hablando de la memoria, de derechos humanos significa que nunca más sea, nunca más para todo".

La escritora hizo hincapié en la necesidad de reflexionar sobre los derechos humanos no solo en relación con la dictadura, sino también en la historia del país y sus tropiezos recurrentes. "En el marco de esto, de reivindicar cuáles son los derechos legítimos de las infancias, también de los adultos, vuelve a cobrar vigencia, ¿no es cierto? Estudiar la memoria histórica, no sólo de la dictadura, la memoria histórica de un país que siempre cae y tropieza parece con la misma piedra".

Desde su perspectiva como especialista en literatura, Bialet resaltó el papel del arte y la ficción en la construcción de la memoria y la identidad. "Hablar de, bueno, mi especialidad es la literatura, entonces poder hablar desde la ficción también, ¿no? Sobre este tipo de relatos que tienen que ver con relatorías históricas, pero también con relatorías humanísticas. Por ejemplo, hoy leíamos poesía".

La escritora denunció la imposición de una lógica individualista que deshumaniza y reduce todo a una transacción económica. "Cuando vos ves que en la ficción el arte siempre está dedicado a lo mejor de la humanidad, volvemos como a recuperar esta cosa tan individualista que nos ha impuesto la globalización capitalista, hipercapitalista, del sálvese quien pueda, de que todo tiene un valor monetario. Me parece que el arte vuelve a restituir y a dialogar con esa parte humana que todos tenemos y que este tipo de sociedad que nos quieren imponer nos quiere desdibujar, ¿no es cierto? No somos consumidores, somos seres humanos, somos personas que tenemos la dicha planetaria de haber nacido y que solo por eso tenemos derecho a vivir dignamente".

Además, hizo una metáfora sobre la existencia y los derechos: "No es por un palo que te den en la calle, no, es porque vos, al igual que ese árbol que está plantado ahí, tenés el mismo derecho en el planeta. ¿Qué vas a hacer con ese derecho? ¿Te lo vas a jugar solo? ¿Vas a quedarte aislado? Bueno, el arte te pone en ese lugar de la condición humana que es intrínsecamente empática y solidaria, ¿no? Y entonces, bueno, desde ahí recuperar todas las memorias, las memorias familiares, las memorias emotivas, las memorias históricas".

Bialet analizó la relación entre el arte y los regímenes autoritarios, que históricamente han atacado las expresiones artísticas por su capacidad de promover la libertad de pensamiento. "Bueno, fíjate que todos los regímenes totalitarios, lo primero que han hecho es quemar libros, robar cuadros, destruirlos, quemar la biblioteca de Alejandría. Digo, el arte les molesta precisamente por lo que hablábamos antes, porque provoca la divergencia del pensamiento y cuando te pone en ese lugar, te pone en el lugar humano, en el que no sos una bestia de consumo, en el lugar humano del amor, de la empatía, de la solidaridad, de la mirada hacia el otro, ¿no?".

Desde esta óptica, el arte se convierte en un espacio de resistencia y testimonio de la historia real, muchas veces silenciada o tergiversada. "Entonces, por supuesto que les molesta, odian eso, odian porque el arte siempre contará mejor la historia humana que ningún manual, porque ya como lo dijo Lito Nevia, la historia la escriben los que ganan, y si la historia la escriben los que ganan, eso quiere decir que hay otra historia, esa otra historia la cuenta el arte. Y eso cualquier niño, cualquier adolescente, cualquier persona lo nota cuando tiene posibilidad de estar en contacto".

Al final de la charla, la escritora compartió su impresión sobre San Francisco y lo que se lleva de su visita. "Veo una ciudad cada vez más bonita, veo que hay muchos parques, veo que hay mucho verde, me llevo el espíritu ese de un San Francisco que tiene gente en las plazas, que me parece que niños jugando, niños en las escuelas que hablan de la memoria, grupos de personas que se reúnen para dialogar sobre estos temas de la memoria, e invitar a mí o a otras personas a que sigamos construyendo una humanidad más potable, que es posible".

La presencia de Bialet en San Francisco dejó un mensaje claro: la memoria no es solo un ejercicio del pasado, sino una herramienta viva que nos interpela en el presente. Su charla en la Tecnoteca fue una invitación a seguir construyendo espacios de reflexión y resistencia a través del arte y la educación, reafirmando el compromiso con los derechos humanos y la dignidad de todas las personas.

La ciudad de San Francisco continúa conmemorando las Semanas de la Memoria, ofreciendo espacios para la reflexión y el encuentro. Te presentamos el detalle de las actividades que aún están por realizarse:

Miércoles 19 - 20.30h | Tecnoteca: Pensar la enseñanza en Derechos Humanos. Conversatorio con docentes de todos los niveles educativos. Reflexión sobre la transmisión de la memoria en el aula. Organiza: Comisión Memoria, Verdad y Justicia.

Jueves 20 - 19.00 | Tecnoteca: La culpa no se hereda. Encuentro con el Colectivo Historias Desobedientes, compuesto por familiares de genocidas comprometidos con la memoria, la verdad y la justicia. Organiza: Espacio por la Memoria y los DD.HH. San Francisco.

Sábado 22 - 18.00 | Av. Maipú 1700, Bosque de la Memoria: Jornada de puesta en valor y resignificación del bosque en la Costanera Norte, frente al predio Peña Boquense. Organiza: Comisión Memoria, Verdad y Justicia.

Domingo 23 - 20.00 | Monumento Nunca Más: Vigilia del 24M. Cierre de las Semanas de la Memoria con poesía, música, intervenciones artísticas y lectura de los presentes. Organiza: Espacio por la Memoria y los DD.HH. San Francisco.

El 6 de marzo, se conmemora el Día del Escultor, una fecha que cobra un significado especial para Damián Bolaño, escultor de San Francisco y actual encargado de finalizar la escultura de San Francisco de Asís en la rotonda del acceso oeste, un proyecto que fue iniciado por su padre.

En diálogo con Posta/ LVSJ, Damián comparte su visión sobre el arte, la docencia y su vínculo con el legado familiar, así como su perspectiva sobre la evolución del arte en su ciudad.

“Para mí, el Día del Escultor es importante porque se reconoce este trabajo, un oficio poco conocido en comparación con otras ramas del arte”, comentó Damián. Agregó: “Cuando uno empieza a agudizar un poco el ojo, se da cuenta de que hay muchos referentes y muchas imágenes en la ciudad, lo que revela el esfuerzo y la dedicación detrás de cada obra”. Esta apreciación por el trabajo escultórico es crucial en un contexto donde la sociedad a menudo no comprende el tiempo y la habilidad que requieren estas creaciones.

La conexión con su padre, Oscar Bolaño, un escultor autodidacta, fue una fuente de inspiración constante en su vida. Damián recuerda que, a pesar de nunca haber sido obligado a seguir el camino del arte, su papá le inculcó la importancia del esfuerzo y la dedicación. “Él siempre decía: ‘Hay que laburar’. Esa fue su filosofía”, recordó Damián. “Hoy, en el arte, hay una falta de ese trabajo arduo que él valoraba. La gente se pregunta qué es arte y qué no lo es, y eso puede llevar a confusiones”, añadió. Este dilema es un tema recurrente en las conversaciones sobre el arte contemporáneo, donde los límites se difuminan y surgen nuevas corrientes que desafían las definiciones tradicionales.

En cuanto a su obra más emblemática, la escultura de San Francisco de Asís, Damián revela que todavía falta un 70% para completar el proyecto. “La primera etapa fue la colocación de la imagen principal, pero hay un conjunto escultórico y una fuente proyectada que aún no se han realizado. A medida que voy creciendo como artista, pueden surgir modificaciones en el diseño, pero la esencia del proyecto se mantendrá”, reveló. Este proceso de evolución es vital para Damián, ya que le permite explorar nuevas ideas y adaptarse a las necesidades del entorno.

El trabajo escultórico es un proceso que puede llevar más de un año. Damián comparte que la técnica que utiliza es el vaciado en granito reconstituido, que asegura una obra duradera y de bajo mantenimiento. “Para mí, la escultura no solo es un trabajo, es una pasión. Me completa y me permite desarrollar mis habilidades”, señaló. Esta pasión se refleja en cada detalle de sus obras, donde el esmero y la dedicación son evidentes.

Además de su trabajo en la escultura, Damián también ha colaborado como coordinador en el Museo de la Ciudad y curador en el Centro Cultural, donde se enfoca en el diseño y montaje de exposiciones artísticas. “En este momento, la cultura está más visible que nunca. Hay un gran apoyo municipal a los artistas locales, y eso permite que surjan nuevas expresiones artísticas en San Francisco”, sostuvo Este apoyo se manifiesta en diversas iniciativas que buscan promover el arte y la cultura en la comunidad, abriendo espacios para artistas emergentes y consolidados.

Bolaño reflexionó sobre el estado actual de la escultura en la ciudad. “San Francisco tiene una rica historia en las artes visuales, comenzando con el primer taller fundado por Miguel Pablo Borgarello y su esposa. Hay un gran potencial y movimiento artístico, con murales y expresiones que van más allá de las artes plásticas”. Este entorno dinámico ha creado un clima propicio para la innovación y el surgimiento de nuevas voces en el arte.

El artista se mostró optimista sobre el futuro del arte en San Francisco. “Creo que estamos en un momento donde los artistas emergentes están empezando a surgir y estamos viendo nuevas expresiones artísticas. La ciudad se está moviendo a pasos agigantados. Vemos San Francisco colmada de murales y expresiones artísticas, no solo en las artes plásticas, sino también en el teatro, la música y el cine”, destacó.

Damián comenzó su camino en la educación tras una invitación para formar parte de un grupo de docentes, y ya lleva más de once años en esta actividad. “La materia plástica era considerada como una ‘hora libre’ en mi época. Quería cambiar eso y hacer que realmente fuera interesante para los estudiantes. No se trata de formar artistas, sino de fomentar una mirada crítica sobre el arte”, explicó. Esta labor docente no solo le permite compartir su conocimiento, sino también aprender de sus alumnos, quienes a menudo traen consigo nuevas perspectivas y preguntas sobre el arte.

Damián enseña Educación Artística - Plástica en la Escuela Bilingüe Bicultural Dante Alighieri y en el Colegio Sagrado Corazón de los Hermanos Maristas, donde intenta inspirar a sus alumnos a apreciar el arte desde un enfoque crítico. “Quiero que mis estudiantes tengan la capacidad de analizar una obra, preguntarse qué significa y qué les genera”, confesó. Este enfoque va más allá de la técnica; busca cultivar una comprensión más profunda y un aprecio genuino por las diferentes formas de expresión artística.

Ante la consulta del significado de su legado, Damián define a su padre como un escultor claro y conciso en sus conceptos artísticos. “El legado que me dejó es fundamental. Necesito ver en la obra el trabajo, la técnica y las horas de dedicación. Si no, no puedo reconocerla como arte”, concluyó. Este principio guía su práctica artística y su enseñanza, recordándole constantemente que el esfuerzo y la dedicación son las bases del verdadero arte.

En el Día del Escultor, la labor de Damián Bolaño no solo rinde homenaje a su padre, sino que también enriquece la identidad cultural de San Francisco, invitando a todos a apreciar el arte en sus múltiples formas. Su trabajo es un testimonio del poder del arte para transformar espacios, generar diálogo y crear conexiones entre las personas y su entorno. A través de sus esculturas, su labor docente y su participación en espacios culturales, Bolaño no solo deja una huella en la ciudad, sino que también impulsa a nuevas generaciones a valorar y comprender el arte desde una mirada más profunda.

La escultura del San Francisco de Asís representa no solo un homenaje a su padre, sino también un símbolo de evolución y continuidad en la escena artística local. 

En un mundo donde la ciencia y el arte a menudo parecen caminos divergentes, Camila Oviedo, ingeniera química de 36 años, desafía esta noción al fusionar sus dos pasiones. 

Nacida en Córdoba capital, pero residente desde hace poco más de 2 años en San Francisco, Camila ha llenado sus cuadernos de bocetos con retratos de edificios y paisajes que forman parte del día a día de esta ciudad del interior argentino.

Desde los tiempos de pandemia esta profesional ha encontrado en el movimiento artístico del “urban sketchers” no solo un hobby, sino una forma de expresión que la conecta con su entorno y con sus propias emociones. Su historia es un testimonio de cómo el arte puede ser un refugio en tiempos inciertos.

Camila Oviedo se graduó de ingeniera química en la Facultad de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales de la Universidad Nacional de Córdoba en 2013. Luego de una especialización, ha trabajado en control de calidad, un campo que, aunque gratificante, no satisface completamente su necesidad creativa. “Mi vida profesional está lejos del arte, pero este hobby me mantiene conectada con mi lado más creativo”, asegura.

“Todo comenzó en la pandemia, cuando decidí probar diferentes técnicas de arte”, comenta Camila, quien se enamoró de la acuarela y, poco después, descubrió el movimiento internacional de “urban sketchers”, un colectivo que alienta a sus miembros a dibujar directamente desde la observación de la vida cotidiana, en las calles. "Lo que me gusta de esta actividad es que te obliga a detenerte y observar con detenimiento el lugar en el que estás, algo que en la vida diaria no siempre hacemos"

La chispa que encendió su pasión por la acuarela fue un suplemento de dibujo y pintura publicado en un diario cordobés. "Compré todos los materiales que recomendaban: acuarelas, tinta china y acrílicos. Comencé a experimentar con diferentes técnicas", dice con entusiasmo. A través de tutoriales en YouTube y el trabajo de artistas como Alicia Aradilla, una acuarelista española, Camila se sumergió en el mundo del dibujo.

En 2021, descubrió el mundo del urban sketchers y comenzó a compartir sus trabajos en su cuenta de Instagram, urbansketch_acuarela. Sus dibujos capturan la esencia de distintos rincones de San Francisco: desde las casas antiguas hasta los edificios más emblemáticos

Su estilo que se caracteriza por el "sketch urbano", es una técnica que implica dibujar en vivo y capturar la esencia de los lugares que visita. "El sketch urbano tiene un manifiesto que promueve ser fiel a lo que vemos y compartirlo con otros", explica. Este enfoque le permite no solo plasmar paisajes urbanos, sino también conectarse con las personas que se acercan a ella mientras dibuja. "La gente se muestra curiosa; muchos piensan que soy estudiante de arquitectura", comenta entre risas.

"Esta actividad  te obliga a detenerte y observar con detenimiento el lugar en el que estás, algo que en la vida diaria no siempre hacemos¨

Uno de los aspectos más significativos del arte para Camila es cómo cada dibujo evoca recuerdos y emociones profundas. "No es lo mismo sacar una foto; cuando dibujo, me transporto al momento en que estuve allí", dice con una mirada soñadora. Cada obra cuenta una historia: desde el primer paisaje que eligió representar en San Francisco -los silos del centro de la ciudad- hasta anécdotas entrañables como la vez que un perro callejero se le acercó mientras trabajaba en un dibujo. "Cada vez que salgo a dibujar, llevo agua para los perros; ellos saben que siempre hay algo para ellos", comparte con una sonrisa cálida.

Esta conexión con los animales refleja su amor por la naturaleza y su deseo de compartir momentos significativos con quienes la rodean. Camila recuerda cómo un perrito se convirtió en su compañero inesperado durante una sesión de dibujo: "Se sentó a mi lado mientras trabajaba; era como si supiera que estaba creando algo especial". Este tipo de interacciones no solo enriquecen su experiencia artística sino que también le recuerdan la belleza de lo cotidiano.

A medida que su habilidad ha crecido, también lo ha hecho su deseo de compartir su arte con otros. El año pasado, Camila se unió a Urban Sketchers, un movimiento internacional que reúne a artistas urbanos para dibujar juntos. "Descubrí este grupo por Instagram y me emocionó saber que hay capítulos en todo el mundo", dice con entusiasmo contagioso. 

"Dibujar me ayuda a desconectar del análisis constante de mi trabajo como ingeniera química"

Aunque no hay un capítulo oficial en San Francisco, ella considera la posibilidad de iniciar uno antes de regresar a Córdoba.

"Me gustaría inspirar a otros a dibujar; hay mucha gente aquí que ama el arte", afirma con determinación. Sin embargo, su regreso a Córdoba está marcado por una mezcla de nostalgia y esperanza. "He hecho amistades muy lindas aquí y he aprendido mucho profesionalmente", reflexiona sobre su tiempo en San Francisco.

Camila también ha participado recientemente en el encuentro internacional de Urban Sketchers celebrado en Buenos Aires. "Fue increíble conocer a artistas de todo el mundo; compartimos experiencias y técnicas durante tres días intensos", recuerda emocionada. Este evento marcó un hito para el movimiento al celebrarse por primera vez en Latinoamérica, y ella tuvo la oportunidad de ser parte activa de esta celebración global.

El arte no solo ha sido una vía para expresarse; también ha influido positivamente en su vida profesional. "Dibujar me ayuda a desconectar del análisis constante de mi trabajo como ingeniera química", señala. La creatividad le permite explorar nuevas formas de pensar y observar el mundo desde diferentes perspectivas. "Es como si cada trazo me liberara un poco más", confiesa.

A pesar de sus logros artísticos, Camila es clara sobre sus intenciones: "Nunca pensé en dedicarme al arte profesionalmente; prefiero mantenerlo como un hobby". Para ella, convertirlo en una carrera podría añadir presión innecesaria sobre algo que disfruta profundamente. "Mi objetivo es disfrutar del proceso creativo sin las expectativas del éxito comercial", aclara.

Esta filosofía le permite experimentar con diferentes técnicas y estilos sin miedo al fracaso. "Cuando dibujo, mi única preocupación es divertirme", dice con sinceridad. La evolución de su técnica ha sido notable desde sus inicios; Camila ha aprendido a utilizar materiales más cómodos para trabajar al aire libre y ha perfeccionado su habilidad para capturar detalles esenciales en sus dibujos.

Su trabajo no solo refleja lugares emblemáticos de San Francisco; también captura momentos cotidianos y experiencias personales que enriquecen su narrativa artística. Cada dibujo es una ventana a sus recuerdos: desde la catedral local hasta rincones menos conocidos que han dejado huella en su corazón.

A medida que se prepara para regresar a Córdoba, Camila mira hacia atrás con gratitud pero también con entusiasmo por lo que está por venir. "Quiero seguir explorando mi arte y encontrar nuevas maneras de conectarme con mi entorno", asegura Camila Oviedo.

"Me encantaría que más personas se animaran a dibujar sus ciudades. Creo que es una forma maravillosa de redescubrir los lugares que creemos conocer".

Para Camila, el urban sketcher no es solo una forma de arte, sino una herramienta para reconectarse con su entorno y con ella misma. "Cada dibujo es una experiencia, un momento único que queda plasmado en el papel", concluye.

Con su cuenta de Instagram, urbansketch_acuarela, como vitrina, Camila seguirá mostrando su visión de las ciudades que habita, ya sea Córdoba o cualquier otro rincón que decida retratar. Lo que comenzó como un pasatiempo se ha convertido en una pasión que, sin duda, seguirá alimentando por muchos años más.

El 21 de septiembre, también Día del Artista Plástico, se convierte en una ocasión ideal para reconocer el trabajo de aquellos que hacen del arte su vida y su pasión. Gabriela Ludueña, artista plástica y paisajista, es una de esas creadoras que combina la belleza del arte con la poesía de la naturaleza, un vínculo que fortaleció a lo largo de los años.

Desde niña, Gabriela mostró una inclinación hacia lo artístico. Participó en diversas actividades que abarcan desde danzas y piano hasta pintura y cerámica. Sin embargo, su verdadero camino en el arte comenzó al mudarse a Córdoba, donde estudió la licenciatura en Artes Plásticas. "Allí, el arte se convirtió en mi vida", confesó a Posta. Las jornadas de estudio eran intensas, con clases que abarcaban desde la tarde hasta la noche, lo que la sumergió en un entorno creativo constante.

La pasión de Gabriela se manifiesta en su obra, que no se limita a la pintura. Su dedicación al paisajismo surgió de forma natural, como una extensión de su amor por el arte. "No sabía que existía el paisajismo, pero siempre sentí que todo estaba interconectado", explicó. Para ella, la jardinería no es solo una actividad, sino una forma de expresión poética que se entrelaza con su trabajo artístico. "Los jardines tienen un alma, la del jardinero y la de las plantas", reflexionó.

"No sabía que existía el paisajismo, pero siempre sentí que todo estaba interconectado". 

Gabriela no separa sus actividades; todo forma parte de un mismo proceso creativo: "Sigo pensando en arte y paisajismo". Este compromiso constante se traduce en una fusión de sus pasiones, donde la pintura, la cerámica y el paisajismo se alimentan mutuamente. Cuando se trata de crear, Gabriela se inspira en sus vivencias. "No hago obras a pedido, sino que expreso lo que siento en el momento", aclaró.

Gabriela tiene un enfoque particular que le permite encontrar su voz auténtica en cada pieza, ya sea un cuadro, una escultura o un jardín. Su proceso creativo es continuo y evolutivo; escribe sus ideas en sus libros, observa la naturaleza y busca inspiración en su entorno. "La música también juega un papel fundamental. No puedo trabajar sin ella", compartió, haciendo énfasis en que los ritmos y letras la inspiran.

A lo largo de su carrera, Gabriela ha explorado diferentes temas en su obra. En 2008, presentó su primera muestra, "Árboles en Pánico", que reflejaba su preocupación por el daño a la naturaleza. Esta conexión con el entorno se mantiene presente en su trabajo actual, donde la naturaleza y el arte convergen constantemente. "Fui mucho a lo que tiene que ver con la naturaleza", comentó sobre su enfoque artístico.

Gabriela no se define simplemente por su técnica, sino por su trayectoria y su constante búsqueda. "Para mí, un artista está siempre en proceso", dijo. Desde su perspectiva, no se necesita un título o reconocimiento para ser considerado artista. "Yo por ahí digo, yo no soy artista. Yo pinto y hago cosas", expresó, destacando que la esencia de ser artista radica en el proceso de creación y evolución continua.

La artista también comparte su amor por el arte a través de talleres de pintura y artesanías que imparte desde su estudio. "Dar talleres es una forma de transmitir lo que amo", aseguró, resaltando la importancia de cultivar la expresión artística en otros. Su enfoque pedagógico está basado en el disfrute y la exploración personal, permitiendo que cada estudiante descubra su propio camino creativo.

Cuando Gabriela trabaja en su taller, su rutina es ser una persona activa. "En el taller estoy todo el tiempo posible", comentó. A menudo, pasa toda la tarde y los fines de semana inmersa en sus proyectos. Este espacio se ha convertido en un refugio donde puede experimentar y dar vida a sus ideas. "Siempre busco material de lectura. Me gustan mucho los libros y me gusta mucho leer", mencionó sobre su proceso creativo, que siempre está acompañado por la música. "No puedo llegar al taller y no poner la música siempre", destacó, explicando cómo los sonidos y las letras estimulan su imaginación.

La entrevistada reconoce que el arte también puede traer consigo momentos de bloqueo. "Siempre hay miedos", admitió, pero a pesar de esos desafíos, su pasión le permite seguir avanzando. A lo largo de los años, Ludueña desarrolló un enfoque único en su arte. No busca cumplir con expectativas externas, sino que se deja llevar por su intuición y lo que surge de su propia experiencia. "Siempre hice las cosas de acuerdo a mis vivencias", señaló.

Su vida y su trabajo nos invitan a reflexionar sobre nuestra propia relación con el arte y el entorno que nos rodea, coincidiendo con la celebración del Día de la Primavera.

Luego de la reprogramación por la lluvia del fin de semana pasado, la Asociación Civil Impulsar Futuro informó que celebrará este sábado 7 de septiembre, el Día de las Infancias en la plaza 1° de Mayo, a partir de las 14.30 e invita a toda la comunidad, familias y niños y niñas a la gran fiesta que tendrá eje en la creatividad, la lectura y el arte, promoviendo las ganas de jugar lejos de las pantallas.

Desde la Asociación Civil adelantaron que habrá juegos de kermese, también rondas de lecturas con lengua de señas para que sea más inclusivo, un taller de creación de máscaras que se basará en las lecturas que los chicos podrán llevarse a casa, además de golosinas, torta y bebidas. El cierre será con música y baile.

Natalia Rolón integrante de Impulsar Futuro afirmó que se propone una celebración “desde el arte y la creatividad, alejada de las pantallas, con mucha alegría. Pensamos en actividades que celebren a la etapa de la niñez, alejada de las tecnologías, retomando el encuentro, la inocencia y las ganas de jugar”.

Mariana Saleme Murad (29) es diseñadora de indumentaria y textil y  desde hace tres años despliega todo su talento en pinturas que son verdaderas “piedras preciosas”. 

Con su capacidad artística y profesional, Mariana obtuvo un máster en Moda durante todo un año en Milán, Italia, por el que partirá en octubre próximo.

Desde esmeraldas, topacios, brillantes hasta otras piedras preciosas, la diseñadora fabrica sus propios bastidores y sobre madera y con acrílico, desarrolla un talento único para el color y las luces que nos regala, visualmente, el verdadero encanto de una piedra preciosa. 

El arte, principalmente la pintura, siempre estuvo cerca de Mariana pero se potenció más cuando tuvo que pensar en su trabajo final de la universidad. “Mi tesis de grado se basó en el desarrollo de accesorios para novios y carteras, haciendo foco en la luz y los colores”, contó la joven de nuestra ciudad. 

“Como el arte es parte de la moda y una de mis amigas es artista, nos ayudábamos con material de estudio y eso despertó mi inquietud de empezar a hacer diseños de piedras o piezas en otro plano, porque en la computadora es muy fácil”, agregó en diálogo con LA VOZ DE SAN JUSTO. Así, un día Mariana tomó un block de hojas, algunas acuarelas y comenzó a crear. “Empecé con acuarelas, practicando y jugando. Después me animé a hacer un cuadro”.

Reconoce  que el proceso no fue fácil hasta llegar al primer cuadro. “Quería que los bastidores tuvieran la forma de una piedra preciosas, porque es la manera en que se puede lucir el efecto óptico del color y la luz”.

Con acrílico sobre fibrofácil, la diseñadora logró su objetivo. “Lo que me gusta de este trabajo es el efecto de continuidad de la figura”, afirmó. 

Una esmeralda, un topacio, una amatista y un diamante, cuatro cuadros que hacen a una colección que aún no tiene nombre, y muy pronto terminará su aguamarina. “Son cuadros que llevan mucho tiempo de elaboración y precisión”, indicó Mariana. 

“Con mis cuadros quería que la gente viera cómo me sentía pero cuando volví de Italia y retomé esta actividad de la pintura, deseo que el espectador pueda ver su luz y brillo propio”, confesó la artista. 

Luego de recibirse como diseñadora de indumentaria y textil en la Universidad Siglo 21 en la ciudad de Córdoba, Mariana se especializó en el desarrollo de accesorios. Tuvo la posibilidad de trabajar en las ciudades italianas de Verona y Florencia, y ahora, volverá a ese país europeo para desarrollar el máster que ganó por un año. “Voy a vivir en Milán durante un año, la ciudad comercial de la moda por excelencia. Es una experiencia única”, expresó entusiasmada.

En la “ciudad más italiana de la Argentina”, el evento “Italia en San Francisco” invita a toda la comunidad a celebrar la cultura de los abuelos inmigrantes que llegaron de aquel país de Europa y ayudaron a construir lo que hoy es nuestra sociedad.

Desde hoy viernes 10 y hasta el domingo 12, la cultura italiana, el aroma de su gastronomía, su arte, sus bailes, su música e historia podrán disfrutarse en la plaza Cívica, el Centro Cultural y la Escuela de Bellas Artes “Dr. Raúl G. Villafañe”. En ese marco se anunció además la presencia del reconocido cocinero italiano, Donato De Santis quien visitará nuestra ciudad para disfrutar del evento junto a todos los sanfranciqueños.

El agente consular de Italia en San Francisco, Fernando Lorenzatto resaltó a LA VOZ DE SAN JUSTO que es “muy importante que San Francisco sea el lugar elegido para destacar distintos aspectos de lo que se denomina ‘italianidad’, una característica de mucha gente de esta gran región. Este evento es tener toda la oferta cultural gastronómica y artística de Italia en un fin de semana en la ciudad y en la Plaza Cívica”.

“Es la primera vez que se hace en una ciudad del interior del país y somos unos privilegiados que el consulado de Córdoba nos haya elegido. Obviamente uno de los factores que influyeron para que esto suceda es que se considera la ciudad más italiana en Argentina y tenemos que demostrar eso con este evento”, amplió Lorenzatto.

Durante estos días los sanfrancisqueños vamos a vivir un fin de semana bien italiano y Lorenzatto invitó a todos a participar de cada actividad y destacó la presencia del cocinero italiano Donato de Santis, el próximo domingo.

Remarcó que los vecinos “podrán ir a pasar la tarde en la Plaza Cívica, porque podrán degustar de la gastronomía italiana, habrá espectáculos permanentemente que abarca toda la oferta cultural italiana, distintos tipos de stands con información como el del Consulado de Córdoba, así que ante cualquier inquietud podrán hablar con funcionarios consulares” 

Lorenzatto contó que en la actividad de los aperitivos “se van a repartir 500 aperitivos gratis, para emular la costumbre de tomar aperitivos en la playa; después de eso viene la Fiesta Italo-Disco en la que los amantes de la música de los 70-80-90 podrán disfrutar de la mano de dos DJ de Buenos Aires”.

“También se proyectará un mapping con la temática de la inmigración italiana en la ciudad y la zona y el sábado finalizará con la presencia del artista ítalo argentino Maxi Manso. El domingo comienza con la maratón y termina con una película documental”, dijo.

Adelantó que durante el evento, “contaremos con la presencia de Donato de Santis que estará compartiendo con todos los sanfrancisqueños, no está prevista ninguna acción de parte de él, sino que solamente acompañará. Además el domingo al mediodía se hará un Cooking Show en el que podrán ver dos cocineros italianos en vivo. También participará el coro Emigranti de la Sociedad Italiana y la Cantata de la Familia Piamontesa”.

Finalmente Lorenzatto aclaró: “Todos los artistas que se presentarán son pagados por el Consulado de Italia, nada será afrontado por la municipalidad. El municipio nos brindó la infraestructura para poder llevar adelante el evento, por eso agradezco de mi parte y del consulado al intendente Damián Bernarte y todo su equipo porque se pusieron a disposición para que podamos organizarlo y llevarlo adelante”.

Dentro del ciclo denominado “Italia en San Francisco” se llevarán a cabo las siguientes actividades: este viernes 10 de mayo, a las 16 en la Escuela de Bellas Artes se desarrollará una ponencia sobre “Patrimonio cultural italiano en Córdoba: el legado de los maestros Buffo y Bonfiglioli”, a cargo de la restauradora Marcela Mammana.

El sábado 11, a partir de las 12 en la Plaza Cívica, tendrá lugar la apertura de la Feria Gastronómica Italiana. En horas de la tarde, desde las 14 actuarán grupos musicales y de danzas tradicionales italianas así como también agrupaciones corales.

 A las 18.30 se desarrollará la denominada Fiesta Italo Disco y Aperitivo Italiano, con la presencia de destacados Djs en lo que seguramente será un momento inolvidable.

A partir de las 19.55 se realizará un mapping denominado “Una historia en común: inmigración italiana en la Argentina” y a su término tendrá lugar el concierto del artista italiano Antonio Maggio.

En tanto, el Centro Cultural San Francisco ofrecerá tres muestras. Una de ellas sobre Gusto Italiano, que estará abierta al público durante un mes. Además se ofrecerá una segunda propuesta denominada ArgenTanos y por último la muestra concurso “Raíces de la Italianidad: patrimonio intangible”.

El domingo 12 de mayo, en tanto, en la Plaza Cívica a partir de las 10 tendrá lugar la maratón 5k ‘Italia corre en San Francisco’.

Al mediodía se abrirá la Feria Gastronómica Italiana mientras que a partir de las 13.30 se desarrollará el espacio denominado “Cooking show”.

Una hora más tarde se entregarán los premios del concurso “Raíces de la Italianidad: patrimonio intangible”, donde se entregará como premio mayor un viaje a Italia.

Desde las 15 actuará la Cantata Piemontesa seguido del grupo de danzas tradicionales piemontesas Donne Musicali. A continuación será el momento de los grupos musicales Siamo Fuori y el show italiano en vivo con la presencia de Cristian Provenzano y Noelia Ciccioli.

 Por último, se proyectará el film ‘Italy en a day’, documental dirigido por Gabriele Salvatores.

Aunque el verano es la temporada alta” para los artistas, Mimo Chito decidió descansar. Sin embargo, ante la primera llamada no duda en ponerse sus enormes zapatos de payaso, calzar su maleta tan especial y brindar todo su cariño y provocar la sonrisa inmediata. 

Detrás de Mimo Chito está Matías Kees, el artista de nuestra ciudad que lleva 10 años interpretando este reconocido personaje y que además es docente de historia en los Cenma de la Ipem N°96 Escuela Pascual Bailón Sosa e Ipem 264 “Teodoro Astegiano”.

Mimo y Matías son uno, pero a la vez son dos que concluyen en un solo cuerpo o al menos así lo dice Kees. “El mimo es un hobby, es un juego. Esto lo hago para divertirme y entretener a los otros, parta jugar y que jueguen los otros. Se convierte en un trabajo cuando la gente me contrata para que juegue con ellos. Es contagiar la risa, la empatía, es moverse constantemente cuando el cuerpo y el personaje lo pide”.

“Cuando comienzo a maquillarme para salir a escena, sea la calle o una fiesta, el personaje empieza a tomar forma. Yo le presto el envase y él toma mi cuerpo. Desde que me maquillo ya entro en silencio y cuando me desmaquillo, tengo que salir completamente del personaje y en ese momento comenzó a hablar”.

Para Matías es un ejercicio complejo. “Es mucho el trabajo, talleres de teatro y expresión laboral, de poder disociar a la persona del personaje. Si no logras ser el personaje, no podés lograr el trabajo pero tengo todo el mundo para jugar conmigo”. 

“El reemplazo de la expresión verbal, el decir con el cuerpo y los gestos no es cosa sencilla. “No es fácil poder decir sin palabras. Las palabras abren puertas. Decir hola es saludar, pero también mover la mano es hola. La palabra también puede limitar, pero agitar la mano, de la forma que hagamos, tiene más sentimiento que la palabra hablada”. 

“Es bueno decir con el cuerpo, buscar en la profundidad de los miedos, la alegría y el amor y transformarlo para que el otro te reciba”.

“Interactúo con bebés pequeños hasta personas de avanzada y todos tienen una empatía con el mimo. Un simple gesto o una sonrisa, te da el pie de jugar un poco más allá. Se tira del hilo para ver hasta dónde se llega, cuál es el límite”, agregó. 

El personaje del mimo se da permisos muy particulares. “El límite está en la menta de cada uno. Así como yo los tengo y los puedo romper, la gente también. Es un feedback constante con la gente. Es un dialogo sin palabras, expresar todo y cuando el público te devuelve una sonrisa, te da ganas de volver a maquillarte”. 

Matías es docente de Historia en los Cenma “Como docente quiero que los estudiantes puedan expresarse y repensar la historia de manera crítica”.

Frente al aula “el mimo me ayuda perder las inseguridades, los miedos, las vergüenzas, pero como profesor trato de intercambiar ya que el hecho que sea profesor no significa que sepa más”. 

Matías es un artista callejero y también profesor en el secundario. El claramente ve y vive de cerca la situación que atraviesan hoy. “Me da mucha inseguridad no saber qué nos deparará el futuro porque una de las bases de la sociedad que piensa y transforma la realidad que vive se apoya en la cultura. La poesía, el teatro, la música; todo es cultura y tiene su carga política”.

“Uno es artista y vive de esto todos los días, y no se ve el trabajo que hay detrás de escena para un show, la formación y el resto de los que trabajan”.

“También me produce dolor la falta de reconocimiento a la falta de cultura. Si no tenemos cultura, no tenemos nada”, señaló.

Diez años de docente y lo mismo de Mimo, los dos son Matías. “El mimo es un niño grande  y está dentro de Matías porque el profe Mati siempre está en el aula y los actos”, concluyó. 

1. La primera vez que Pampero, el payaso amigo que impulsó la creación de Mimo Chito me invitó a compartir la recepción de una fiesta de 15 años. Yo fui el balletparking y andaba en una minibici. 

2. Variette de artistas callejeros "El Arte Callejero no es delito" en Plaza Vélez Sarsfield.

3. Festejos del día de las infancias. “Todos y a cada lugar que fui. Siempre agotador desde lo físico pero súper confortable para el espíritu”

4. Reconocimiento como Arquitecto Social de la Cultura en el Teatrillo Municipal. 

5. Encuentro Nacional de Murgas en Suardi con Murga la Estación. 

La estudiante Valentina Martínez, de 5º año “C” de la Escuela Normal Superior “Dr. Nicolás Avellaneda” de San Francisco, fue una de las finalistas de las olimpiadas de Historia, que organiza la Universidad Nacional del Litoral (UNL). 

Los próximos días 8, 9 y 10 de noviembre, la joven y un directivo viajarán a Santa Fe, donde competirá con estudiantes del país en las instancias decisivas del certamen.

Valentina obtuvo su pase final en la categoría “cuentos ilustrados”, que se incorporó este año en esta competencia. “Nos dieron una lista de cuentos que podíamos elegir y desde el principio tuve conexión con el texto “Las escondidas”, de la escritora Nina Gervasoni”, afirmó la estudiante. “Me gustó la trama porque desde la perspectiva del juego y la inocencia de los niños, se podía intuir que entre los adultos pasaban otras cosas”.

La joven estuvo asesorada por la profesora Paula García Veritá, que la acompañó en todo el proceso de investigación y elaboración de la ilustración. La docente destacó la dedicación, compromiso y entrega de Valentina para elaborar el trabajo y destacó la incorporación de esta categoría en la competencia. “Es muy interesante que a los jóvenes le dan alternativas para demostrar otras habilidades como en el caso de Valentina el dibujo y la pintura”, indicó la profesora. 

Con referencia al cuento, la alumna comentó que la protagonista es Vilma, una niña que va a la escuela primara, que está pasando una temporada en la casa de sus abuelos Clara y Raúl. Mientras ella juega a las escondidas con sus primos y hermanos, los adultos con quienes comparten sus días también se esconden otros secretos. 

“El cuento se da en el contexto de 1973 en el tercer gobierno del presidente (Juan Domingo) Perón. Mientras que para los niños es un lugar de rencuentro familiar y diversión, para los grandes es un escondite del Partido Comunista que son perseguidos por distintas fuerzas políticas en Argentina”, señaló la estudiante. 

En la ilustración presentada en las olimpíadas, Valentina pudo demostrar su gran talento para dibujar y pintar. La estudiante contó que desde pequeña le gusta esta actividad y que aprendió sola a través de tutoriales en redes sociales e internet. 

Con respecto a su dibujo, la joven dividió la hoja en dos planos marcando dos situaciones muy diferentes. “En el primer plano se ve a personas mayores reunidos alrededor de una mesa y mirando las noticias en un diario con caras de preocupación. Para ello usé colores sombríos y nada de primarios. En cambio, al final se puede ver a los chicos jugando a las escondidas detrás de un sillón y por la ventana aparece el sol brillante que se mezcla con el celeste del cielo. Ahí es todo más claro y puro”, finalizó.

En el marco de exposiciones y actividades culturales que lleva adelante el Museo de la Ciudad, junto a la Dirección de Cultura de la Municipalidad de San Francisco, el próximo viernes 15 de septiembre, a las 20, se inaugurará una nueva muestra de pintura denominada “Colores que Renacen” de Sandra del Rey. 

La misma tendrá lugar en el Salón de Exposiciones del Teatrillo Municipal, sito en Bv. 9 de Julio 1167, donde los interesados podrán disfrutar de esta propuesta a lo largo de todo un mes con la presentación de más de 17 pinturas de la autora.

“Pinta tu aldea y pintarás el mundo” es una frase atribuida a Liev Nikoláievich “León” Tolstoi, el genial escritor ruso. Nuestra aldea y las comunidades que la circundan han sido pródigas en entregar innumerables talentos artísticos cuya obra trascendió las fronteras lugareñas y llegaron a pintar el mundo. 

San Francisco fue “el lugar en el mundo” de recordadas figuras de las artes plásticas. Muchas de ellas se formaron en la Academia de Artes Plásticas que llevó el nombre del pintor español Fernando Fader y fue creada por un decreto municipal del entonces intendente, Raúl G. Villafañe, el 10 de julio de 1936, cuyo primer párrafo afirmaba que “la ciudad de San Francisco, cuyas inclinaciones artísticas se manifiestan con halagüeñas perspectivas, revelando la existencia de una inquietud creadora, necesita delegar en una institución calificada la tarea responsable de encauzar las actividades superiores de su juventud, con un sano propósito de orientación y estímulo”. 

Fue en esa academia, cuyo impulsor y primer director fue Miguel Pablo Borgarello, en la que Miguel Ángel Biazzi forjó su estirpe de artista plástico que sigue siendo recordada en todos los círculos de la pintura argentina y también de otras partes del mundo. 

Fue el tercero de los cinco hijos de Ricardo Biazzi y Delicia Cía. Nació en la cercana Luxardo el 17 de septiembre de 1935. Su familia se trasladó a San Francisco a los pocos años y fue aquí donde cursó sus estudios y nació su vocación artística. Años después se radicó en Salta donde vivió durante 20 años. También residió en Estados Unidos durante algunos años y, posteriormente, tuvo su atelier en la calle Defensa en el barrio porteño de San Telmo.

Presentó sus trabajos en espacios de arte de Buenos Aires, México, Estados Unidos, España, Uruguay, Brasil, Cuba, Italia, Alemania, entre otros países.  Ejerció la docencia y fue director del Instituto de Investigación sobre la Creatividad en Houston, Texas. Obtuvo el Premio Pío Collivadino en el Salón Nacional de 1974 y el Premio Cecilia Grierson en el Salón Nacional de 1979. Expuso individualmente en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, en el Centro Cultural Recoleta y en otros espacios de arte del interior de la Argentina. Escribió y publicó sus libros Arte, Sistema de Vida, El Lenguaje Silencioso del Cuerpo y Orígenes Argentina, este último junto al sociólogo y antropólogo Guillermo Magrassi.

El impacto de su vida en Salta transformó su pintura. Su obra se convirtió en el reflejo de aquella tierra norteña, para prodigarse luego, a través de innumerables muestras en un “pintor esencialista, capaz de desembocar en una metarrealidad, en una realidad otra, que es sin embargo ineludible y presente”, según escribió el crítico Salvador Linares en la revista especializada Óleo y Mármol. 

Ese mismo escritor evoca que vio cuadros de su infancia, “cuando todavía era cordobés, recuerdo de sus padres y hermanos reunidos en idílicos jardines. Esplendorosos cuadros pintados a “la francesa”. El propio Biazzi señaló alguna vez que en el principio de su trayectoria “tenía influencias de Modigliani”. Es que “antes pintaba como los impresionistas, con figuras estilizadas”. 

Sin embargo, cuando se radicó en Salta, todo se modificó. “En el norte todo es redondo”, contó el artista. “Me cambió el estilo. Iba los mercados, me instalaba allí y dibujaba los collas y los aborígenes que traían la mercadería. Pintaba las urnas funerarias, unos cacharros muy lindos, con dibujos raros. Lo mismo las figuras del norte. Pero, entonces, no sabía lo que significaban. Cuando me radiqué en Buenos Aires, hice cursos de arte precolombino para saber qué y por qué pintaba”, dijo Biazzi.

A partir de allí fue “propietario” de dos paisajes: el natal y el que eligió para llevar adelante la mayor parte de su obra pictórica. Con la tradición del norte profundo selló una alianza también profunda. Salta y toda la zona noroeste le dieron a Miguel Biazzi “la materia de su empresa expresiva. Y, con ella, el color, las formas, la atmósfera, el drama ambiente con todo lo cual se fundieron sus pinceles y sus manos, porque también la escultura integra su lenguaje”, escribió el conocido periodista y crítico de arte Osiris Chierico.

En sus últimos años, el Espacio Biazzi de San Telmo (cerró en 2021) fue su reducto en el que puso corolario a su proficua obra. Indagando en el espíritu de la mitología indígena (“Sabemos mucho de las mitologías europeas, pero muy poco de las nuestras”, afirmaba) y utilizando técnicas bien contemporáneas produjo bellas creaciones que son reflejo de los rituales y alegorías de la cultura norteña, atravesadas por su espíritu indagador, su creatividad y su enorme y audaz talento que toma con responsabilidad la tarea de indagar y recuperar toda una herencia para renovarla con técnicas contemporáneas.

Miguel Ángel Biazzi está inscripto en el selecto catálogo de las figuras del arte argentino. El artista que nació en Luxardo y se formó en San Francisco, el que pintó “sus aldeas” y, por ello, pintó el mundo, falleció en Buenos Aires el 18 de julio de 2016.

En la Sociedad de Bomberos Voluntarios, en el dispensario de barrio Roque Sáenz Peña, en el Comedor La Virgencita, la avenida Cervantes, el Centro Cultural San Francisco y en los boliches de la ciudad está la marca de Julián Pastore. Este sanfrancisqueño, como muchos artistas callejeros, es parte de la nueva generación de creadores de nuestra ciudad que vuelcan todo su talento en los muros de la ciudad y se puede visibilizar gracias al programa cultural municipal #lasparedeshablan.

Con solo tres años dedicados al muralismo, su pasión por la pintura la lleva dentro de sí desde muy chico heredando este gusto de su mamá pero fue la pandemia la que lo reencontró con el arte.

Desde este año abandonó su trabajo en la secretaría de Salud de la Municipalidad de San Francisco para dedicarse de lleno al muralismo, trabajo del que hoy vive. “Me siento orgulloso de mi aporte a la ciudad”, afirmó el artista.

Inquieto, autoexigente, el pintor se considera un aprendiz constante de lo suyo y afirma que se siente realizado cuando los vecinos se apropian de sus obras y lo valoran como un patrimonio de su lugar de pertenencia.

Estás trabajando sin detenerte…

Estoy en la ciudad de Córdoba. Soy parte del programa “Arte de nuestra gente” y ya voy por el octavo mural. En este caso, se trata de una pintura en una cancha de futbol en la villa 28 de Noviembre con la temática “No a la violencia en el fútbol”. La idea es hacer un boceto donde todas las personas puedan participar mientras yo me encargo de lo complejo. También la gente pide agregar dibujos. Son 140 metros en total. 

Cuando uno ve al artista trabajando, cree que él es el protagonista pero en este caso sos como el “conector” entre la gente y el arte.

Ese es el sentido de este trabajo. Si bien es mi boceto, siempre tengo que estar abierto a opiniones y agregar cosas propias del barrio. Lo que se busca es que la gente misma que vea el mural sienta que participó y que fue parte del mismo.

Es una manera de provocar un sentido de pertenencia.

Totalmente. También es la posibilidad de cuidar un espacio, que no se vandalice. Si lo pinta el mismo vecino, lo ponen en valor y lo cuidan.

¿El artista callejero se inspira en el espectador para su obra?

Me pasó en otro barrio cordobés es que cada vez que veo mi trabajo, me encuentro con vecinos limpiando o repasando la pintura. Es hermoso ver como se valora el trabajo de uno. Si tal vez solo se pintara una pared de blanco, al otro día seguramente estaría vandalizada. El arte permite crear un patrimonio del barrio. 

¿Qué marca caracteriza a un mural tuyo?

Lo que me distingue son los ojos. Siempre hay ojos y miradas. El realismo está siempre, me gusta salir de lo plano. Si me lo permiten, dibujo una mirada porque trasmiten emociones, sentimientos y es algo que me gusta hacer. Dibujo ojos por todos lados (risas). 

¿Cómo es tu proceso de creación?

Intento que nadie me imponga copiar algo. Me gusta que me den la temática, las ideas y luego diseñar una especie de collage o montaje. La mayoría de mis murales tienen cosas diferentes a los bocetos que planteo previamente. Busco contar historias y dejar un mensaje. Un ejemplo es el de Bomberos. Lo que busqué ahí es que mi arte le llegue a la gente y sientan que los bomberos arriesgan su vida por nosotros. 

Tu carrera ascendió rápidamente…

Te voy a ser sincero,  nunca me imaginé estar pintando murales. Durante la pandemia, como le pasó a mucha gente, tuve más tiempo y volví a dibujar después de una década. Antes, pintaba en grises pero descubrí el color. Publiqué algunas fotos de cuadros a color que hice en mis redes sociales y comenzaron los pedidos. Con el tiempo, me encargaron el mural de NetPádel del Sport Automóvil Club.

Diste un salto gigante y me refiero por el tamaño de tus obras.

No me considero una persona con tanta paciencia para pintar pequeños cuadros y ser detallista por lo que el mural es más rápido porque a través del dibujo logrado, no se necesita tanta perfección y es más fácil. Lo que más me atrapó del mural, que es el estilo de vida que llevo actualmente, es la posibilidad de dejar una marca con mi trabajo y sentirme orgulloso de mi aporte a la ciudad. Yo me considero un aprendiz en el mundo del muralismo.

¿Estudiaste pintura?

Aprendí de mi mamá que le gusta pintar y tengo recuerdos de ella siempre pintando. No estudié pintura pero siempre estoy investigando, leyendo y aprendiendo de mis colegas.

La intervención de Estado es clave para tu trabajo

Estoy muy agradecido por el lugar que nos dio el municipio a través del programa #lasparedeshablan. Se trata de una oportunidad única para los artistas de poder mostrar lo que nos gusta hacer. No solo le gusta a la gente, sino que nos abre las puertas al trabajo porque lo nuestro es como un catálogo de nuestro arte. Lo más lindo es que las energías son positivas, los comentarios alentadores y gusta mucho la movida artística que hay en la ciudad. 

El artista no solo expresa su talento pero también visibiliza en sus redes sociales el síndrome de Asperger, condición que tiene su hermano Gerónimo y que él asegura es un gran maestro que le enseña en la vida. “Gerónimo nos enseñó muchísimo a toda la familia. Con él no hay barreras y es una persona muy cariñosa con todos nosotros”. 

“Lo que me distingue son los ojos. Siempre hay ojos y miradas. El realismo está siempre, me gusta salir de lo plano. Si me lo permiten, dibujo una mirada porque trasmiten emociones, sentimientos y es algo que me gusta hacer”.