El Teatrillo de San Francisco continúa consolidando su propuesta cultural con la incorporación de artistas de trayectoria nacional, en el marco de una programación que combina espectáculos de distintas disciplinas y públicos. La llegada de figuras reconocidas se suma a una agenda en crecimiento que busca fortalecer la actividad teatral en la ciudad.

El director artístico de la sala y socio de la empresa Spot Experiencias Artísticas, Adrián Vocos, señaló que la propuesta del espacio se encuentra en constante desarrollo, ampliando su identidad y proyección dentro del circuito cultural de la región. En ese sentido, la incorporación de artistas de primer nivel como Darío Grandinetti, Boy Olmi, Luciano Cáceres, Hernán Piquín, Facundo Gambandé y Ale Orlando, entre otros, apunta a jerarquizar la cartelera y a reforzar el posicionamiento del Teatrillo como una referencia para espectáculos de calidad.

El esquema de programación mantiene además un equilibrio entre producciones locales y propuestas externas. Según indicaron, el 70% de las actividades son impulsadas, producidas y protagonizadas por artistas de la ciudad, mientras que el 30% restante corresponde a espectáculos de la escena provincial y nacional, generando un intercambio que potencia el desarrollo cultural.

El crecimiento de la sala también se refleja en la ampliación del público y en la consolidación de San Francisco como una plaza cultural en expansión dentro del mapa teatral argentino. En ese marco, el Teatrillo continúa sumando propuestas que combinan diversidad estética, producción local y la llegada de figuras reconocidas.

En cuanto a la agenda confirmada, el sábado 2 de mayo a las 21 se presentarán Damián de Santo y Cristian Sancho. Luego, el viernes 5 de junio a las 21 será el turno de Boy Olmi, mientras que el viernes 24 de julio, también a las 21, se presentará Hernán Piquín. Desde la organización adelantaron que próximamente se anunciarán nuevos espectáculos.

El director teatral Adrián Vocos sumará una nueva presentación en uno de los escenarios más importantes de la provincia, en el marco de una trayectoria que continúa en crecimiento dentro del circuito cultural cordobés.

En esta oportunidad, fue convocado nuevamente por el Teatro Real, aunque esta vez asumirá el rol de director de la Compañía de Radioteatro de Carlos Paz. La función está prevista para el domingo 12 de abril a las 19, cuando se presentará la reconocida obra “Rebelión otoñal”, del autor Alberto Migré.

No es la primera vez que Vocos llega a este escenario. Anteriormente se presentó en dos oportunidades como productor y director con “El loco y la camisa”, y recientemente participó de la temporada del teatro con “Filomena Marturano”, logrando agotar localidades en la sala mayor.

Con estos antecedentes, el director afianza su posicionamiento en el ámbito teatral y consolida el crecimiento de su compañía, que se proyecta como una de las propuestas del interior con presencia sostenida en salas de relevancia en la capital provincial.

El escenario del Teatrillo se prepara para recibir a destacadas figuras del espectáculo nacional con dos propuestas.

Por un lado, Cristian Sancho y Damián de Santo protagonizarán “Una clase especial”, una comedia que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la mítica calle Corrientes. La obra llegará a la ciudad el sábado 2 de mayo a las 21, con entradas que ya se encuentran a la venta.

En tanto, el viernes 24 de julio a las 20.30 horas será el turno de “Me verás volver”, un espectáculo encabezado por Hernán Piquín que rinde homenaje a Soda Stereo. La propuesta fusiona danza, imágenes y la música de una de las bandas más icónicas del país, en un recorrido que ha cosechado gran reconocimiento del público y la crítica a lo largo de su gira.

Las entradas para este show ya están disponibles a través de Platea VIP o en la boletería del teatro.

Dos propuestas diferentes, con artistas de primer nivel, que prometen convertir cada función en una experiencia inolvidable para el público local.

Carlos Dante Pioli —para muchos simplemente Charly— forma parte de una generación de teatreros que atravesaron distintas etapas del teatro sanfrancisqueño: los grupos independientes de los años noventa, los talleres institucionales, la experiencia de la docencia y, más recientemente, la creación de espacios propios para sostener la actividad. Profesor de historia de profesión y formador de actores por vocación, su recorrido está marcado por más de cuarenta años de vínculo con el escenario, la dirección y la enseñanza.

En ese camino aparecen grupos históricos de la ciudad, docentes que dejaron huella, experiencias con adolescentes y adultos y una convicción que atraviesa todo su relato: el teatro se construye de manera colectiva. Para Pioli, el escenario no es un lugar para competir ni para sobresalir individualmente, sino un espacio donde cada rol —por pequeño que sea— resulta imprescindible para que una obra exista. Esa mirada también explica el presente de su trabajo. Desde 2018 impulsa junto a Verónica Gieco el proyecto La Puerta, un espacio dedicado a la formación teatral y a la producción de obras independientes.

Pioli cuenta que estaba en el secundario, en el último año de la Escuela Ravetti, y que en ese momento tenía como preceptor a Miguel Corón. Fue él quien lo invitó a participar de un grupo de teatro que estaba por estrenar una obra llamada “Felipito, el furibundo filibustero”, una adaptación de un cuento de Eduardo Gudiño Kiefer. “Necesitaban uno que haga de luz negra porque la obra jugaba con esto de la luz negra”, recuerda.

Ese grupo se llamaba Quijote y estaba integrado por adultos. Entre ellos menciona a María Cristina Zunino, Carlos Motura, Carlos Genesio, Adriana Bunfigli, el propio y Cati Canalis. Su tarea era vestirse completamente de negro y manipular unos pececitos pintados con colores flúor para que, bajo la luz negra, pareciera que flotaban en el fondo del mar. “Ahí ingresé al mundo del teatro. Me encantó y ahí continué y no paré más hasta la actualidad”.

Cuando intenta explicar qué fue lo que lo atrapó de ese universo vuelve a una palabra: la magia. Habla de ese mundo en el cual nadie te cuestiona nada, del compañerismo que existía en el grupo, del escenario y del contacto con el público. Dice que le encantaban los aplausos, pero no desde el punto de vista del ego sino desde esa dimensión artística que tiene el teatro. Recuerda que desde chico ya tenía inclinaciones artísticas: le gustaba dibujar, le gustaba pintar, siempre estuvo relacionado con alguna forma de expresión. Pero el teatro fue otra cosa.

Subirse al escenario le produjo una sensación difícil de explicar. Dice que esa adrenalina que genera el escenario es algo mágico, algo que solo experimenta quien se sube a actuar. También habla de la respuesta del público: “Sentir que la gente te devolvía la risa, el aplauso por lo que estabas haciendo, te hacía sentir que lo que estabas mostrando, agradaba, gustaba”. Aclara que nunca lo vivió desde un lugar de ego. Siempre trató de mantener un perfil bajo, pero reconoce que esa devolución del público es fundamental. “Uno se da cuenta que si no tenés al público no está completo el teatro, no está completa la obra en sí”.

Con el grupo Quijote participó en otras producciones infantiles como “Mi bello dragón” y “Pluf, el fantasmita”. De esos años guarda recuerdos muy claros, incluso del lugar donde estrenaban. Cuenta que presentaban las obras en el Teatrillo cuando todavía tenía el escenario con pisos de cemento, sin butacas, sin inaugurar y sin terminar.

Después de terminar la secundaria comenzó a estudiar el Profesorado de Historia en el Colegio Inmaculada Concepción. Allí volvió a encontrarse con el teatro, esta vez en el grupo Juglerías, dirigido por Yolanda Beguier y Héctor Bessone. Ese grupo reunía a alumnos y profesores del terciario y trabajaba con obras para adultos. En ese marco participó en “Narcisa Garay mujer para llorar” y en “La molinera de Arcos”.

Cuando recuerda esos años, Pioli dice que todavía hoy rescata mucho de aquellos primeros aprendizajes: la enseñanza, los valores y la forma de trabajar dentro de un grupo teatral. Una de las ideas que más lo marcaron fue la de evitar la competencia entre compañeros. Explica que en el mundo del teatro —y en el arte en general— el tema del ego y del sobresalir puede volverse muy complicado. Por eso destaca la enseñanza que recibió, sobre todo de Yolanda Beguier, acerca de la disciplina y del trabajo colectivo.

La idea era clara: todos son iguales dentro de una obra. No hay protagonistas absolutos ni actores de segunda línea. Cada personaje cumple una función imprescindible. “Porque aunque sea un personaje chiquitito, si no está ese personaje no se puede desarrollar la obra”.

“No hay protagonista, no hay actores de segunda línea: todos somos importantes en el momento que estamos actuando”.

Después de su paso por Juglerías hubo un tiempo en el que no participó activamente en grupos teatrales, aunque siguió muy cerca de la actividad como espectador. Cuenta que durante esos años asistía con frecuencia a ver obras y trataba de seguir todo lo que se producía en la ciudad.

El regreso llegó en el año 2000 cuando comenzó a trabajar en el Colegio Fasta Inmaculada Concepción, primero como preceptor y luego como profesor. En 2004 se abrió un grupo de teatro para estudiantes del secundario en contraturno y allí empezó a trabajar junto a la profesora Gabriela Vladimich. Fue su primera experiencia dirigiendo adolescentes y recuerda que era un grupo muy particular porque los chicos no iban obligados: asistían por decisión propia. Eso hacía que el trabajo fuera especialmente enriquecedor. Dice que hicieron una muy buena dupla con Gabriela y que ambos dirigían el grupo.

Con el tiempo el proyecto creció y en 2009 abrieron también un grupo de teatro para adultos dentro del mismo colegio. Ese grupo se llamó Bien Bravo y estaba destinado a padres o personas interesadas en hacer teatro. Pioli participó allí hasta el año 2018, aunque el grupo continúa funcionando.

Ese mismo año surgió una propuesta que cambiaría el rumbo de su actividad teatral. Verónica Gieco, también integrante del grupo Bien Bravo, le planteó la idea de crear un espacio destinado a la formación de actores a través de talleres y a la producción de obras. Así nació La Puerta. En un primer momento el proyecto funcionó en calle Libertad, a media cuadra de Pellegrini. Luego, en el verano de 2019, se trasladó al lugar donde funciona actualmente.

Para Pioli, el trabajo pedagógico dentro del teatro tiene una clave fundamental: el juego. Explica que cuando los alumnos llegan por interés propio es mucho más fácil trabajar con ellos. “Son como diamantes en bruto”, dice. En cada obra o personaje se intenta encontrar algo que se adapte a la personalidad de cada actor. El proceso empieza siempre desde lo lúdico: comenzar divirtiéndose, reírse, evitar juzgar o imponer exigencias demasiado rígidas desde el principio.

Por eso los talleres funcionan como un entrenamiento. Pioli compara el trabajo del actor con el de un deportista y sostiene que el taller es un espacio necesario para ejercitarse. En especial con los adultos propone recuperar algo que muchas veces se pierde con los años: sacar ese niño que tenemos adentro y que se fue perdiendo con las responsabilidades y las reglas de la vida adulta. Durante esas horas de trabajo la propuesta es simple: volver a jugar. A partir de ahí se desarrollan lecturas de textos, improvisaciones, trabajos individuales y grupales y ejercicios de escucha escénica.

Ese clima también genera vínculos que muchas veces se extienden más allá del teatro. Pioli destaca que a lo largo de los años muchas personas pasaron por los talleres de La Puerta. Algunos siguieron y otros tomaron otros caminos, pero en general se mantuvieron buenas relaciones dentro y fuera del grupo.

La experiencia con adolescentes también le permitió observar algo particular en relación con las nuevas generaciones. Muchos de los jóvenes que llegan a los talleres son chicos muy introvertidos en su vida social y buscan algo diferente a la rutina digital. En el teatro encuentran un espacio donde sentirse importantes, donde generar amistades y compartir con pares que tienen inquietudes similares. Cuenta que incluso ellos mismos expresan su entusiasmo: cuando terminan las clases de los jueves muchos no ven la hora de que llegue el próximo jueves para volver al teatro. Durante el taller ocurre algo poco habitual: dejan los celulares y durante dos horas no los utilizan. Son solamente clases de teatro.

Después de más de cuatro décadas vinculado a la actividad, Pioli también observa la evolución del teatro en San Francisco. Recuerda que cuando empezó había pocos grupos, aunque aclara que la ciudad siempre tuvo actividad teatral. En los años noventa funcionaban algunos espacios como el taller municipal de adultos dirigido por Rafael Brusa y el grupo Quijote. Con el paso del tiempo, especialmente después del año 2000, la actividad creció y aparecieron más grupos. Ese crecimiento lo considera positivo.

Sin embargo señala que todavía hay un desafío pendiente: fortalecer el apoyo del público a las producciones locales. Muchas veces —dice— las salas se llenan cuando llegan espectáculos de otras ciudades, pero no ocurre lo mismo con los grupos de San Francisco. En el caso de La Puerta el trabajo se sostiene de manera independiente, con la cuota de los alumnos y con la venta de entradas cuando presentan una obra.

Después de tantos años de trabajo, Pioli todavía mantiene proyectos y sueños vinculados al teatro. El principal es contar con una sala propia. Imagina una pequeña sala de teatro independiente, similar a las que existen en ciudades como Córdoba y Buenos Aires. No un espacio lujoso, sino un lugar equipado con luces, sonido y escenario donde puedan ensayar y montar espectáculos sin necesidad de armar y desarmar cada producción. Un teatro pequeño, pero propio.

“Cuanto más pasan los años, más ganas te dan de seguir trabajando”.

Mientras tanto, el trabajo continúa. Dice que la experiencia acumulada con los años le permite hacer cosas que quizás no hubiera podido realizar cuando era más joven. El recorrido, los talleres y el contacto con distintos grupos le dieron una mirada más crítica y más herramientas para dirigir. Por eso insiste en seguir creciendo y generando nuevas propuestas que también enriquezcan a los alumnos que pasan por La Puerta.

En este momento el grupo prepara varios proyectos para el año. Y cuando se le pregunta hasta cuándo piensa seguir vinculado al teatro, Pioli responde con una frase que resume su estado actual: cree que todavía queda mucho por hacer, porque todavía “hay hilo en el carretel para rato”.

La obra “Filomena Marturano”, clásico de Eduardo De Filippo que se presenta con gran repercusión en la temporada teatral de Villa Carlos Paz, sumó en las últimas horas un respaldo de alto valor simbólico y artístico. La primera actriz Betiana Blum fue confirmada como madrina oficial del espectáculo, anuncio que se conoció a través de Revista PRONTO.

Dirigida por Adrián Vocos, la puesta de La Comedia San Francisco se consolidó como una de las propuestas más destacadas del verano, con funciones a sala llena y una respuesta sostenida del público, que acompaña esta versión del texto clásico por su carga emocional, vigencia y profundidad dramática.

La designación de Blum reviste un significado especial dentro del universo teatral, ya que la reconocida actriz interpretó a Filomena Marturano en temporadas anteriores, dejando una marca en la historia escénica del personaje. Su acompañamiento representa un gesto de continuidad y legado, que enlaza distintas generaciones de intérpretes y reafirma la vigencia de la obra.

Desde la producción expresaron su emoción por este respaldo, y remarcaron que contar con el apoyo de una figura de la trayectoria de Betiana Blum implica un reconocimiento al trabajo artístico que se viene desarrollando en la localidad cordobesa.

En plena temporada de verano, el Teatrillo renueva su programación con una cartelera diversa que invita a disfrutar de propuestas para distintos públicos en San Francisco. La agenda de esta semana combina obras reconocidas por la crítica, comedias actuales y teatro infantil, con una función especial de acceso gratuito.

La actividad comenzará el jueves 15 de enero, a las 21, con “La omisión de la familia Colleman”. La obra regresa en su segunda temporada y se presenta por primera vez en la ciudad en formato inmersivo. Dirigida por Adrián Vocos y producida por la Comedia San Francisco, propone una experiencia diferente: público y personajes comparten el mismo espacio, viviendo el conflicto desde adentro. Ganadora del Premio Carlos a Mejor Comedia Dramática, retrata a una familia al borde del estallido, donde lo trágico y lo absurdo conviven en escena. La función cuenta con cupo limitado.

El viernes 16 de enero, también a las 21, será el turno de “Honrar al sapo”, una comedia mística que invita a reír, incomodarse y reflexionar. La obra plantea un encuentro espiritual que promete ordenar la vida de un grupo de mujeres, pero que rápidamente se desarma entre rituales improvisados, verdades incómodas y situaciones desopilantes. Con guion y dirección de Maximiliano Ledezma, la producción de Mledproducciones se apoya en un humor filoso y momentos de profunda humanidad, con actuaciones de Ester Baldo, Victoria Williner, Liliana Álvarez, Alicia Mondino y Jazmín Pizarro.

El cierre de la semana será el domingo 18 de enero con “Encuentados”, una propuesta pensada para las infancias y las familias. Ganadora del Premio Carlos 2025 a Mejor Caracterización Teatral Infantil, la obra se pregunta qué sucede con los personajes de los cuentos cuando los libros se cierran. Héroes y villanos clásicos se encuentran para descubrir su destino en una aldea donde todos esperan ser leídos, transmitiendo un mensaje sobre la importancia de la lectura y el valor de las historias. La obra comenzará a las 18 y cabe destacar que dicha función será gratuita, a la gorra.

Las localidades para los espectáculos pagos pueden adquirirse a través de la plataforma Platea Vip o en la boletería del Teatrillo, ubicada en 9 de Julio 1167, de martes a viernes de 19 a 21 horas y los fines de semana en el horario de las funciones.

En el caso de “Encuentados”, la función contará con entrada gratuita y salida a la gorra. Las reservas pueden realizarse al 15590390 o directamente en boletería, hasta agotar la capacidad de la sala.

La Comedia San Francisco fue galardonada con el Premio Grandes del Teatro 2026 por la obra Filomena Marturano, en el marco del 10° aniversario de los Premios Grandes del Teatro, una edición especial que reconoció a las producciones más destacadas de la temporada teatral en Villa Carlos Paz.

El reconocimiento fue recibido con orgullo por el elenco y el equipo que integra la producción, que celebró la distinción como un homenaje al trabajo, la pasión y el compromiso artístico que sostiene cada función. Desde la compañía destacaron que el premio pone en valor el recorrido de Filomena Marturano y el esfuerzo colectivo que hay detrás de la puesta en escena.

Asimismo, expresaron su agradecimiento a la organización de los Premios Grandes del Teatro por la distinción, y extendieron el reconocimiento a cada integrante del equipo artístico y técnico del Teatro Candilejas, espacio que acompaña y hace posible el desarrollo de la propuesta teatral.

La Comedia San Francisco también resaltó el acompañamiento del público, que noche tras noche apoya la obra y contribuye a que el teatro continúe siendo un ámbito de encuentro, emoción y celebración cultural.

En esta edición aniversario de los premios, el galardón Grandes del Teatro fue otorgado a Miguel Pardo por sus producciones, en una ceremonia que volvió a destacar el talento y la diversidad del teatro que cada temporada se presenta en Carlos Paz.

 Máximo Girardi tiene 16 años, es sanfrancisqueño y en 2026 cursará quinto año en el Ipet 50 “Emilio F. Olmos”, donde sigue la especialidad Maestro Mayor de Obras. Pero, además de planos y cálculos, su vida cotidiana está atravesada por otro lenguaje: el teatro. Desde hace años se forma en La Comedia San Francisco y este verano dará un paso que no es habitual a su edad: hará temporada en Villa Carlos Paz, integrando el elenco de Filomena Marturano y Chau Señor Miedo, en el Teatro Candilejas.

Llegar a la marquesina carlospacense siendo tan joven no es un dato menor. Para Máximo, significa entrar en contacto con un mundo que hasta hace poco parecía lejano, pero que hoy se vuelve concreto gracias al trabajo sostenido y al acompañamiento de una compañía con experiencia.

“Descubrirlo como tal fue a mis 10 años”, recordó Máximo al contarle a Posta / LA VOZ DE SAN JUSTO cómo comenzó su vínculo con la actuación. “Ahí empecé en La Comedia San Francisco con Adrián Vocos y desde ahí no me fui más. Pero yo de chiquito siempre tenía la necesidad de expresarme”, explicó.

Esa inclinación se manifestaba incluso en la escuela primaria. “Siempre actuaba o interpretaba un personaje. Un día una señorita de la Escuela José Bernardo Iturraspe le dijo a mi mamá que yo tenía que probar hacer teatro, porque ‘yo te veo para eso’. Yo actuaba en todas las obras que se hacían en el colegio”, relató.

Carlos Paz será, para él, su primera experiencia de temporada teatral. Y aunque se apoya en la trayectoria del grupo, sabe que el desafío es personal. “Es mi primera vez haciendo temporadas. Lo bueno es que la compañía ya tiene experiencia, hace 13 años que La Comedia San Francisco hace temporadas”, señaló.

Sobre lo que siente, no dudó: “Es una alegría muy grande, una emoción muy grande. Es hermoso, muy lindo, muy linda sensación. Pero también hay cierto nervio. Al ser la primera vez. Sobre todo alegría, que es lo que más destaco”.

Una de las obras que integrará es Chau Señor Miedo, destinada al público infantil. Para Máximo, ese tipo de teatro tiene un valor particular. “A mí me encanta porque le sacás una alegría al niño. Le creás una ilusión que le provoca alegría”, expresó.

Y agregó que no todo es diversión: “En Chau Señor Miedo hay momentos en los que se provoca miedo, pero después ese miedo se vence. Entonces es muy lindo. Me encanta generar esas sensaciones”.

Esa experiencia implica, además, una responsabilidad. “Todo teatro, toda obra deja un mensaje. Pero también hay mucha responsabilidad”, afirmó.

Cuando habla del público infantil, Máximo se detiene en una imagen que lo conmueve. “Ver la sala llena de familias me genera una satisfacción enorme, sobre todo cuando termina la obra. Los aplausos de los nenes, los gritos… el aplauso final. Esa es una sensación muy satisfactoria”, describió.

“Me siento muy bien cuando digo: al nene le gustó, le provoqué alegría. Eso es lo que más destaco y lo que más me gusta”, añadió.

En Chau Señor Miedo, interpreta a Carlos, un niño de entre 8 y 10 años que protege a su hermana menor. “Es un chico que siempre trata de estar al lado de su hermana, pero que también tiene sus miedos y busca vencerlos”, explicó.

Ese rol lo interpela de manera personal. “Yo tengo un hermano más chiquito y los que tenemos hermanos sabemos lo que es esa complicidad. No te voy a decir que no costó, pero cuando encontré el personaje me sentí muy cómodo”, confesó.

En Filomena Marturano, en cambio, encarna a uno de los hijos de la protagonista. “Es otro personaje muy lindo. Los dos son muy diferentes entre sí y eso implica un gran desafío”, sostuvo.

Sobre el ritmo de la temporada y el entorno de Carlos Paz, Máximo se muestra expectante. “Hay mucho talento. Hay elencos con actores muy conocidos. Espero sentirme cómodo, saludarlos, compartir momentos y aprender. Siempre hay que dejar un lugar para aprender del otro”, dijo.

Aunque se proyecta también con estudios universitarios vinculados a su formación técnica, el teatro ocupa un lugar central en sus sueños. “Me encantaría explorar otros formatos como cine o televisión, pero siempre me siento más cómodo en el teatro”, reconoció.

Agradecido por el acompañamiento familiar, no oculta una aspiración mayor: llegar algún día a la calle Corrientes. “Me gustaría mucho llegar al teatro de calle Corrientes. Esperemos que algún día se me dé”, expresó.

Antes de despedirse, dejó un mensaje para otros jóvenes —y no tan jóvenes— que dudan en dar el primer paso. “Siempre intentarlo. El no ya lo tenés. El teatro es hermoso, sana, alegra y provoca un montón de emociones. Que se animen, que vengan un día y prueben. Seguramente les va a gustar”, concluyó.

A los 16 años, Máximo Girardi ya sabe que los sueños no esperan a que uno crezca: se trabajan, se ensayan y, a veces, empiezan a cumplirse mucho antes de lo imaginado.

En el marco de las distintas actividades programadas por el Día Internacional de las Personas con Discapacidad, la Secretaría de Vinculación Educativa, Tecnológica y Productiva de la Municipalidad de San Francisco, junto a la Biblioteca Pedagógica San Francisco, organizaron la puesta en escena de la obra de Teatro “Mi Bello Dragón”, interpretada por estudiantes del 5° y 6° año del Instituto Fasta Inmaculada Concepción.

La actividad, que se desarrolló en las instalaciones de la mencionada Secretaría, estuvo dirigida a los distintos establecimientos educativos de modalidad especial e instituciones que trabajan con personas con discapacidad de la ciudad de San Francisco.

Con gran participación e interacción con los actores y protagonistas, estuvieron presentes más de 130 estudiantes de las siguientes instituciones: Apadim, Ana Sullivan, Instituto Don Orione, Cemiri, Centro de Día Apadim, Centro de Día Cottolengo y Aprid.

“Mi bello Dragón” es una comedia musical para chicos, escrita por Enrique Pinti. Fue estrenada en 1968, y se ha convertido en un clásico de los espectáculos infantiles. En este caso, estuvo brillantemente interpretada por alumnos de las asignaturas Teatro y Plástica del Instituto Fasta Inmaculada Concepción, a cargo de las docentes Verónica Gieco y Paola Leone.

Luego de la obra los integrantes del elenco compartieron un ameno momento con el auditorio, sacándose fotos, conversando e intercambiando ideas y experiencias sobre la obra y los personajes.

Entre las autoridades estuvieron presentes el Secretario de Vinculación Educativa, Tecnológica y Productiva, Germán Fassetta, el director del área Páblo Ambrossino, la directora de Nivel Medio de Fasta, Gabriela Balzarini, los inspectores Azucena Sánchez, Juan Quaranta y María Inés Luppo, la coordinadora de la CLE, Elena Vaccetta, la referente de la Biblioteca Pedagógica, Gabriela Calcagno y directivos de cada una de las instituciones participantes.

El Día Internacional de las Personas con Discapacidad se conmemora cada 3 de diciembre y fue proclamado por la Asamblea General de las Naciones Unidas el 14 de octubre de 1992. El propósito fue promover los derechos y el bienestar de las personas con discapacidades en todos los ámbitos de la sociedad y su desarrollo, así como fomentar la conciencia sobre su situación en los aspectos políticos, sociales, económicos y culturales de la vida cotidiana.

Este jueves 16 de octubre, a las 21, el Teatrillo recibirá a Laura Azcurra con “Frida, ¡Viva la vida!”, un unipersonal donde la actriz encarna a Frida Kahlo desde sus luces y sombras, entre la fuerza del arte y el dolor de la existencia.

Con esta nueva función, el Teatrillo continúa acercando a San Francisco obras y protagonistas de talla nacional, reafirmando su papel como un espacio que impulsa la cultura y el teatro de alto nivel en la ciudad.

“Me encanta estar llevando el teatro a otras partes del país. Creo que esa es la misión en este momento”, aseguró Azcurra en diálogo con LA VOZ DE SAN JUSTO, entusiasmada por su llegada a San Francisco. “No se puede hacer con todas las obras, es un esfuerzo, una energía, pero con esta sí hay que hacerlo. El mensaje de Frida es tan hermoso que tiene que llegar a todos los lugares.”

La actriz, reconocida por su trayectoria en teatro, cine y televisión, celebra la posibilidad de descentralizar el teatro de Buenos Aires. “Me encanta viajar con el teatro. Descentralizar el arte es fundamental. Tenemos una enorme calidad teatral y hay que compartirla con todo el país”, expresó.

Sobre el origen del proyecto, Azcurra recordó: “El material me llegó por Nacho Geluk Producciones, una productora de Córdoba. La obra es de Humberto Robles, un autor mexicano que mezcla hermosamente cosas de la vida de Frida con textos literales que ella escribió en su diario íntimo. Eso la vuelve una pieza muy interesante, porque no se trata de una biografía ajena, sino de escuchar a Frida en primera persona”.

La dirección está a cargo de Julia Morgado, a quien la actriz define como “extraordinaria”. Y el trabajo de construcción del personaje fue un verdadero desafío: “Frida es un ícono global, una mujer resiliente. Representarla es un orgullo y una enorme responsabilidad. Por eso decidimos hacer la versión con acento mexicano. No podía ser Frida si hablaba como una chica de Buenos Aires. Fue un vértigo, pero lo intentamos y quedó muy bien.”

Azcurra también busca mostrar una faceta menos conocida de la pintora: “Frida era muy carismática, divertida, inventaba palabras, tenía un gran sentido del humor. Dijimos: contemos esa Frida también, la más lúdica, la que siempre estaba creando y recibiendo a su gente con alegría. Esa parte no siempre se cuenta y me parecía valioso compartirla”.

En su recorrido por distintos escenarios del país con esta obra, la actriz valora el contacto directo con el público: “La gente se queda muy agradecida, movilizada. Es un material de mucha profundidad, pero también luminoso. Y eso es lo que quiero que se lleve el público de San Francisco y en general: emoción, inspiración y un poco de esa magia que Frida tenía.”

Consultada sobre el presente del teatro, Azcurra fue contundente: “El arte es la respiración de los pueblos. En los momentos de crisis es cuando más necesitamos el teatro. Es una industria cultural de enorme valor y también un espacio de encuentro. Después de la pandemia quedamos medio aislados, y el teatro invita justamente a eso: a volver a mirarnos, a charlar, a emocionarnos juntos.”

Finalmente, la actriz dejó un mensaje para el público de San Francisco, que podrá verla mañana en el Teatrillo: “Solo deseo que disfrutemos del teatro. Porque sé que el teatro siempre conforma la magia. En estos tiempos tan sacudidos, el teatro nos abraza, nos humaniza y nos vuelve a encontrar. Así que encontrémonos en el teatro.”

Las entradas para la obra de teatro ya están disponibles a través de la plataforma Platea Vip o en la boletería del Teatrillo, ubicada en 9 de Julio 1167, de lunes a domingo de 19 a 21 horas.

San Francisco, este martes 9 de septiembre, celebrará su 139º aniversario con un espectáculo artístico único y de gran magnitud a cargo del Ballet Patria y La Comedia San Francisco, denominado “Maravillosa ciudad del este”.

La propuesta, que tendrá lugar a las 21, en el Teatro Mayo, con entrada libre y gratuita, contará con más de 60 artistas en escena y un recorrido escénico que rescata la historia de la ciudad.

El director de Cultura, Gabriel Quaranta, explicó cómo nació la idea: “Este proyecto surge  en primer lugar por iniciativa del intendente Damián Bernarte, quien tras asistir al espectáculo ´Raíces´ del Ballet Patria al Teatrillo, Damián nos dijo: `¿por qué los chicos del Ballet Patria no preparan algo este año para el cumpleaños de la ciudad´, y fue así que hablamos con José y con Soraya y ya desde ese momento empezaron a trabajar , se contactaron ellos con Adrián para hacer algo en conjunto como lo habían hecho con el Evangelio Criollo y de ahí se empezó  a trabajar en la idea”.

Por su parte, desde el Ballet Patria, su director José Bolea, señaló que la puesta en escena busca “contar un poco la historia, si bien es mucha, tratamos de llegar a los puntos principales más importantes que nos parecían a nosotros, desde lo escénico y hasta dónde podíamos llegar. El espectáculo comienza con la llegada de los inmigrantes en barco y avanza hasta el presente y el futuro de la ciudad, incluyendo un pasaje dedicado al Palacio Tampieri”.

Bolea destacó además el trabajo de investigación que dio sustento a la propuesta: “Ha sido una investigación importante, no solamente histórica sino también en lo que tiene que ver con el vestuario y demás cuestiones que hacen a una historia lo más real, lo más verídica posible. Lo digo con orgullo porque justamente el estudio que se hizo de campo para poder llegar a esto es súper importante”.

También, agradeció la colaboración de la escritora Gabriela Navarrete, autora del libro base del espectáculo, y adelantó que el cierre tendrá un momento especial: “Vamos a tener el acompañamiento de Exequiel Trucco, que se va a sumar al final del espectáculo para entonar el Himno de San Francisco, para lo que se va a entregar a los que vayan una copia del himno para que lo cantemos todos juntos”, confirmó José Bolea.

 En tanto, el director de la Comedia San Francisco, Adrián Vocos, remarcó la magnitud del evento: “Hay muy pocos espectáculos en la ciudad que tienen 60 actores y bailarines en el escenario. Lo que va a ver la gente es no sólo danza, sino también teatro y cuadros de comedia musical. Hay muchísima gente corriendo por todos lados en un espacio de 10 por 10 metros, a los que se suman más de 20 personas entre vestuario, escenografía, técnica”.

Vocos resaltó la importancia de contar la historia local desde una mirada artística: “Porque contar la historia de San Francisco no es agarrar el libro y leer los capítulos, es hablarla con la gente, escuchar las anécdotas. No estamos hablando de ficción, sino de lo que sucedió en nuestra ciudad”.

Es importante resaltar que el espectáculo, que está bajo la dirección de Soraya Molina, José Bolea y Adrián Vocos, tendrá una duración de una hora y el ingreso será por orden de llegada hasta completar la capacidad del Teatro Mayo, de 1200 espectadores.

El próximo viernes 29 de agosto a las 21 horas, el Centro Cultural San Francisco (Mitre esquina Paso) será escenario de una nueva propuesta dentro del Ciclo Teatreando 2025. En esta ocasión, se presentará “Rebelión Otoñal”, un homenaje al recordado autor Alberto Migré, figura emblemática del radioteatro argentino.

La puesta contará con el elenco de La Comedia San Francisco, bajo la dirección de Adrián Vocos, y promete una velada que revivirá la esencia y la sensibilidad del gran maestro de la narrativa radial y televisiva.

La función tendrá entrada libre y gratuita, aunque el acceso será únicamente con reserva previa. Las localidades ya pueden solicitarse al teléfono 15590390, y se recomienda realizar el trámite con anticipación debido a que los lugares son limitados.

El espectáculo se enmarca en la programación de Teatreando 2025, un ciclo que busca acercar al público local propuestas de gran valor artístico y cultural, además de fortalecer la identidad escénica de San Francisco.

Por Bautista Dutruel I LVSJ

Hoy, 26 de agosto, es el Día Internacional del Actor y la Actriz, y no es una fecha más. Es un momento para detenernos y sentir lo que significa entregarse por completo a este oficio, asumir el riesgo de mostrarse y de abrirse al otro.

Los actores no solo interpretamos un texto. No nos limitamos a repetir palabras o a mover el cuerpo siguiendo indicaciones. Nos ofrecemos enteros: nuestra voz, nuestra memoria, nuestras emociones, nuestros miedos y deseos… todo se pone en juego. Nos  transformamos en otros sin dejar de ser nosotros mismos, prestando carne y respiración a personajes que cobran vida solo en escena. En ese cruce entre ficción y verdad habita el corazón del teatro.Actuar es, en cierto modo, desnudarse. Es exponerse frente a un público, mostrar lo que duele, lo que alegra, lo que la vida cotidiana reprime y que el escenario libera. Cada función es irrepetible, se vive en el presente absoluto y se apaga apenas baja el telón. Esa fragilidad, sin embargo, es también la mayor fuerza de quien sube a escena. Se siente en el temblor de las manos, en el latido acelerado del corazón, en la respiración contenida antes de abrir los ojos al público. 

Lo que se ve desde la butaca es apenas un instante de algo mucho más grande. Detrás de cada escena hay disciplina, método, investigación. Hay repeticiones, frustraciones, hallazgos. Pero sobre todo, hay pasión, esa llama que impulsa a seguir actuando, aun cuando el reconocimiento sea incierto, aun cuando la estabilidad y la certeza de futuro sean un espejismo. Para quienes lo elegimos, el teatro es más que una profesión, es una forma de estar en el mundo, de sentirlo y transformarlo.Y nada de esto tendría sentido sin quienes lo reciben. El teatro se completa en la mirada del público, en la respiración compartida, en el silencio cómplice, en la carcajada que estremece. Es un ritual, alguien ofrece su verdad desde el escenario y alguien la recibe desde la butaca. Allí, en ese espacio invisible entre unos y otros, nace lo verdaderamente teatral.

Hoy nos celebramos, celebramos a quienes viven este riesgo y esta entrega. A quienes transforman su vulnerabilidad en arte. Sin los actores, el teatro sería solo paredes vacías, luces apagadas y butacas mudas. Con su trabajo, el escenario respira, se llena de emociones y se convierte en un espejo donde todos podemos reconocernos, cuestionarnos y sentirnos vivos.Lo digo también desde mi lugar, como alguien que actúa y pero que en este momento escribe, que siente la magia de este oficio y trata de atraparla con palabras. Pero hoy, sobre todo, celebro a todos los que hacen del teatro un acto de vida compartida.

Este sábado, a las 21 horas, el Teatro Mayo será escenario de un espectáculo que promete desplegar todo el talento local y viajar por un rato a Broadway con “Vivan los Musicales”. Más de 40 artistas en escena darán vida a una selección de coreografías, canciones y escenas de los musicales más icónicos del género, en un repaso de obras que han ocupado las marquesinas más importantes del mundo desde 1920 hasta 2010.

El show es una producción del Estudio Nancy Cristiano, que viene trabajando desde enero en la investigación y preparación de esta propuesta. “La comedia musical es un género que no está muy explorado en San Francisco, pero que es de los más completos para un artista porque integra canto, baile y actuación. Queremos reivindicarlo en la ciudad y dejar una huella”, explicó la directora Nancy Cristiano.

El desafío no es menor, la comedia musical exige disciplina y precisión para combinar los tres lenguajes artísticos. “No es un género menor, como a veces se cree. Es complejo, requiere entrenamiento y mucha pasión. Cada número tiene que fluir con la naturalidad de una obra, una canción y una coreografía, todo integrado”, agregó.

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Tap, theater jazz, canciones y escenas inolvidables formarán parte de un show que pondrá en escena en la noche de San Francisco momentos memorables de musicales como “Cats”, “Lalaland” y “Chicago”, entre otras. 

La apuesta, además, busca tener continuidad en el tiempo. “Nuestra idea no es hacer una única función, sino sostenerlo, para que la gente pueda disfrutar de comedia musical sin tener que viajar a Buenos Aires, Rosario u otras ciudades”, adelantó a LA VOZ DE SAN JUSTO, la directora del estudio. 

Las entradas se consiguen en la boletería del Teatro Mayo, a partir de las 20:30, y tendrán un valor de $12.000. No son numeradas, por lo que se recomienda asistir con al menos media hora de anticipación atendiendo también a que el inicio del espectáculo será puntual.

San Francisco se prepara para recibir a figuras consagradas del arte nacional en una serie de propuestas que marcarán la agenda cultural de las próximas semanas. En coproducción con Spot Experiencias Artísticas, el Teatrillo ofrecerá funciones que abarcan desde el suspenso teatral hasta la música de gala, con la presencia de intérpretes de gran trayectoria y reconocimiento.

La programación comenzará el sábado 30 de agosto con la obra “El Cuarto de Verónica”, un thriller psicológico y de terror escrito por el creador de El bebé de Rosemary. El elenco estará encabezado por Silvia Kutika y Fabio Aste, bajo la dirección de Virginia Magnano. El espectáculo, que fue un éxito en más de 30 países y galardonado con premios Estrella de Mar a “Mejor Obra” y “Mejor Actriz”, forma parte de una gira nacional que recorre las principales salas del país.

Una semana después, el sábado 6 de septiembre, el escenario se transformará para recibir al reconocido bandoneonista Ariel Ramírez, quien regresa a la región después de 14 años de giras por escenarios de Alemania, Italia, Inglaterra, Rusia y Polonia. Con más de 35 años de carrera, Ramírez fusiona tango clásico, jazz y música académica, rindiendo homenaje al legado de Astor Piazzolla desde una perspectiva contemporánea. El concierto contará con músicos invitados de primer nivel y se enmarca en el programa solidario “Volver a Ver”, impulsado por el Club de Leones San Francisco, que facilita kits para cirugías oftalmológicas a personas sin cobertura médica.

El ciclo culminará el sábado 13 de septiembre con Muerde, un unipersonal intenso y premiado protagonizado por Luciano Cáceres. Escrita y dirigida por Francisco Lumerman, la obra narra la historia de un hombre marcado por una infancia difícil y un pasado cargado de silencios y misterios. La producción ha obtenido distinciones como el Estrella de Mar al Mejor Unipersonal, el ACE a la Mejor Actuación Masculina, el premio Talia New York y nominaciones al Martín Fierro de Teatro.

Las entradas para todos los espectáculos ya están disponibles a través de la plataforma Platea Vip o en la boletería del Teatrillo, ubicada en 9 de Julio 1167, de lunes a domingo de 19 a 21 horas.

El actor Daniel Aráoz trae al Teatrillo su espectáculo “Master Aráoz”, una ceremonia íntima donde el arte, el humor y la emoción se entrelazan con su historia de vida, sus vínculos familiares y su mirada sobre el éxito, el fracaso y el alma.

Aunque nacido en Córdoba capital, Daniel Aráoz siente que una parte profunda de su identidad está en el este provincial, en la tierra llana y tranquila de Plaza Clucellas, donde nació su madre y donde vivió parte de su infancia. “Mi mamá nació en Clucellas y yo iba de chico al campo de mis tíos, de mis abuelos. Es mi tierra también”, afirmó. De hecho, cuando se planificó la gira de su obra por el Litoral, fue él quien pidió especialmente incluir a San Francisco en el recorrido. “A Clucellas no se pudo, pero terminamos acá. Y eso me llena el corazón”, agregó el reconocido actor.

Su vínculo con la ciudad no es reciente. Aráoz guarda recuerdos entrañables de visitas familiares, de tardes compartidas con su tía Dominga y su tío Luis, de tortas caseras y camas prestadas con afecto. Pero hay un momento que lo marcó profundamente. “Una vez vine con unos lentes enormes. Mi primo Óscar, que era oculista, me llevó a Óptica Bucco y me pusieron lentes de contacto. Me fui nuevo. Me cambió la vida”, manifestó entre risas.

Ese regreso emocional se expresa hoy en “Master Aráoz”, una obra que nace en pandemia y que construyó junto a su hijo Pedro, quien además la dirige. “Pedro tiene una mirada más pura que la mía. No está intoxicado por la adultez, por todo lo que uno carga con los años. Él me ayudó a construir este viaje sanador”, comentó. La pieza se inscribe en lo que llama “teatro de valija”: un formato artesanal, en el que Aráoz monta luces, lleva pantallas y crea todo con sus propias manos.

Aunque la risa es el primer motor de la obra, debajo de la superficie se abren temas profundos y universales: el poder, el dinero, el éxito, y sobre todo, el fracaso. “Haber fracasado de verdad fue un aprendizaje. Ahí está el amor”, afirmó. “El arte habla de lo que sentís, no de lo que pensás. Y en esta sociedad que te empuja a demostrar poder o acumular cosas, es vital preguntarse: ¿estás en el camino de tu alma?”, agregó.

Aráoz destaca el lugar de la cultura como herramienta de sanación y construcción colectiva. “La cultura está por sobre la política. Es lo que nos ayuda a encontrarnos, a entendernos”, sostuvo. En esa línea, trabaja junto a Julio González y la empresa Oralí en un proyecto de ley nacional llamado “Pancitas Llenas”, que busca garantizar cuatro platos de comida diarios en comedores y merenderos de todo el país. “No puede haber mayor prioridad que un niño o una niña coman”, enfatizó.

A los 62 años, Daniel Aráoz vive y trabaja desde su casa, escribe, cocina, y crea. “Estoy construyendo. Quizás el año que viene edite mi primer libro de ficción. Pero sobre todo, vivo cada función como una ceremonia. Es mi forma de agradecer y abrazar a quienes me acompañan”, destacó.

Con “Master Aráoz”, no solo vuelve al escenario. Vuelve a sus afectos, a sus paisajes, a su verdad más íntima. 

Del 10 al 13 de julio, el Teatrillo, ubicado Bv. 9 de Julio 1167, vivirá una semana especial con propuestas para todos los gustos y edades. El actor y comediante cordobés Daniel Aráoz será el encargado de abrir la agenda con su obra “Master Aráoz”, una puesta que combina humor, emoción y reflexión sobre la vida y la carrera del reconocido artista que tiene una vasta trayectoria a nivel nacional.

La grilla de espectáculos continuará con homenajes al talento local en dos ediciones del ciclo “Estrellas en la Noche” –una dedicada al canto y otra a la danza–, un vibrante tablao flamenco, y el colorido espectáculo infantil “Chiquitín: Aprender Jugando”, pensado para compartir en familia.

Además, varios de los espectáculos están alcanzados por el beneficio 2x1 para menores de 21 años y jubilados, válido únicamente en boletería, con pago en efectivo y DNI en mano.

Jueves 10 de julio a las 21 | “Master Aráoz”Daniel Aráoz llega al escenario del Teatrillo con una obra que recorre su vida, desde su infancia en Córdoba hasta su paso por la televisión porteña y su regreso a las raíces. “Master Aráoz” invita a reír, emocionarse y reflexionar con anécdotas personales que conectan con el público. La obra está dirigida por Pedro Aráoz y el propio actor.

Viernes 11 de julio a las 21 | “Estrellas en la Noche – Cantantes”Cantantes locales subirán al escenario en el marco de las 100 funciones del Nuevo Teatrillo. El espectáculo rendirá homenaje a quienes formaron parte del Music Hall, combinando géneros y estilos. Actúan: Atrevidas, Nilda Vega, Luciana Balangione, Mariano Sosa, Noeli Suarez, Guillermo Benítez, Escuela Primer Piso, Sala Mercedes Sosa, Juan Molinelli y Gianna Molinelli.

Sábado 12 de julio a las 21 | Tablao FlamencoLa pasión del flamenco llega al Teatrillo con músicos, cantaores y bailaoras que ofrecerán un show de alto nivel. Participan: Ezequiel García, Mora de Córdoba, Macarena Castaño, Mariana Castro, Yanina Maretto, el Ballet Municipal Patria Las Patrias, Stefani Curró y otros artistas invitados.

Domingo 13 de julio a las 15:30 | “Chiquitín: Aprender Jugando”El dúo musical Chiquitín, formado por Rocío Pecantet y Joel Mattig, propone un espectáculo infantil repleto de música, juegos y aprendizaje, con una estética colorida y una puesta audiovisual impactante. Entradas disponibles en este enlace.

Domingo 13 de julio a las 19 | “Estrellas en la Noche – Danza”El cierre de la semana estará a cargo de bailarines y academias locales que celebran la danza en todas sus expresiones. Participan: Las Patrias, Arte y Expresión (Daiana Nanzer), Braulio Arte y Sueños (Brian Belén), Academia de Danzas Españolas (Yanina Maretto), Federico Delgado, Giovanna Cavalleris y el Ballet Patria.

Se pueden adquirir en la boletería del Teatrillo (Bv. 9 de Julio 1167) de 19 a 21, o a través de www.plateavip.com.ar. Para estar al tanto de toda la programación, se puede seguir al Teatrillo en Instagram (@Teatrillo_) y en Facebook (Teatrillo).

El calendario de eventos programados para este fin de semana incluye propuestas culturales vinculadas con el teatro y la música y deportivas con motociclismo y tiro al arco. 

En la noche de este viernes 30 de mayo, el Teatrillo será escenario de una nueva edición del ciclo sensorial “Melodías a Ciegas”. En esta oportunidad, desde las 21. el público asistente podrá disfrutar de Metallica – Master of Pupperts. 

Mientras que el sábado 31, a las 20 también en el Teatrillo, FRAUEN Power pondrá en escena un espectáculo integral denominado Universo Femenino y Música del Romanticismo, donde se podrá disfrutar de tres voces, una historia: la fuerza femenina se encuentra con la sensibilidad del Romanticismo en una noche única.

Como cada domingo, este 1 de junio se desarrollará una nueva fecha del ciclo “Llenate el Mate de Rock” en la Plazoleta Villafañe, desde las 16. con la presentación de las bandas Estados Alterados, Bono/Kees, Perro Cacique y Atrapasueños. 

En tanto,  para cerrar el fin de semana cultural, la noche del domingo en el Centro Cultural San Francisco estará dedicada al Ciclo Teatro De Afuera, con la obra “Vagones transportan humo”, una propuesta que apela a la singularidad del humor con el propósito de abordar los textos de Alejandro Urdapilleta (destacado dramaturgo y actor argentino) a partir de un diálogo con nuestro tiempo y nuestro territorio. 

Bajo la dirección de Nadia Grandón, y el trabajo actoral de Antonella Fernández Pabón, Tovio Velozo, y Sebastián Boscarol, la entrada es libre y gratuita, desde las 21. 

En lo que respecta a la agenda deportiva, para los amantes del motociclismo el sábado 31 de mayo y el domingo 1 de junio se disputará en nuestra ciudad la 4º fecha del Certamen Argentino de Motociclismo 2025, con la participación de más de 200 competidores que se reunirán en el Circuito Ciudad de San Francisco. 

Y el domingo, en el Supermodo, se llevará a cabo el Torneo nacional Homologatorio Rankeable Indoor de tiro con arco, Copa San Francisco.

Radicado en Paraná hace años, Sebastián Boscarol vuelve a San Francisco con una obra que homenajea el teatro desfachatado de los años 80. Actor, dramaturgo, productor y docente, en esta charla recorre sus inicios en el barrio Jardín, reflexiona sobre el teatro como derecho cultural y comparte la emoción de volver a actuar donde todo empezó.

Volver a casa no siempre es fácil, sobre todo cuando el escenario es el mismo que pisaste por primera vez de niño. Así lo vivió Sebastián Boscarol cuando en 2022 regresó al teatrillo municipal con el Ciclo Bardero, trayendo desde Paraná tres unipersonales junto al grupo Teatro del Bardo. Uno de ellos era suyo: Extraño tu perfume, un espectáculo de género y diversidad que, como él mismo describe, “es denso, fuerte, pero muy emocionante”.

“La última vez que había actuado ahí era de chico. Volver con mis viejos, mis hermanos, mis amigos en el público fue conmovedor. Tenía miedo de que la emoción me desconcentre, pero lo logré”, cuenta a Posta/LA VOZ DE SAN JUSTO. Y agrega que, a diferencia de otras salas donde el actor no ve al público por las luces, en el teatrillo se sentía observado… y observando. “Veía a mi hermano, a mi cuñada, a mi papá. Con un espectáculo autobiográfico encima, que ellos no habían visto, fue todo muy intenso”.

Boscarol recuerda sus primeros pasos en el teatro en una casa del barrio Jardín, transformada en centro cultural por su prima, la artista plástica Lala Boscarol. “Ahí empezó todo. Ella armó un grupo con adolescentes y niños del barrio. Nos criamos como hermanos. Hoy lo veo y pienso: era una locura hermosa”.

Esa “célula artística” lo llevó luego al grupo de teatro de la municipalidad, dirigido por Rafael Bruza y Rubén Gattino. “Estuvimos años actuando ahí. Rafael Bruza fue un maestro del teatro nacional. Mucha gente en San Francisco no sabe quién fue. Diseñó el teatrillo, dirigió el Instituto Nacional del Teatro, hizo muchísimo por la cultura. Me da orgullo que en otros lugares lo reconozcan como un referente y sepan que es de acá”.

Ese orgullo se repite cuando, ya trabajando en Entre Ríos, conoce a escritores y artistas que identifican San Francisco como la ciudad de Luciano Lamberti, otra figura que admira. “Son artistas que trascendieron. Y está buenísimo que la Dirección de Cultura reconozca que hay gente de acá haciendo cosas en otros lugares”.

Entre esas figuras nombra también a Rubén Gatino y Belén Pistone. “Son artistas muy reconocidos en el país. Y son de acá. Yo trabajo en otra provincia, pero soy de San Francisco. Por eso cada vez que vengo, lo hago con todo. Es parte de mi compromiso”.

El domingo 1 de junio, Boscarol se presentará con Vagones Transportan Humo, un espectáculo de poesía y humor basado en textos del mítico Alejandro Urdapilleta. Dirigida por Nadia Grandón, con la actuación de Antonella Fernández Pabón, Tovio Velozo y Sebastian Boscarol, en la técnica estará Marina Toledo, artista local, la obra homenajea al teatro irreverente de los 80. “Podíamos haber elegido una obra teatral del autor, pero no. Seleccionamos textos poéticos y montamos algo nuevo. Es un tributo a ese teatro desfachatado que hacían ellos, con todo el respeto que se merecen. No hay como ellos”.

Más allá del homenaje, la vigencia de esos textos es lo que lo conmueve. “Hay una poesía que parece escrita ayer, pero tiene treinta años. Habla del pueblo argentino como si fuera hoy. Eso es impresionante. Y lo que sentimos nosotros al hacer esta obra es una felicidad inmensa”.

La función será gratuita y se realizará en el Centro Cultural. Será la primera vez que Boscarol actúe allí. Un nuevo desafío para el artista local, que llega nuevamente a la ciudad en el marco del ciclo Teatro de Afuera, una gran oportunidad para disfrutar de teatro de calidad en un formato íntimo.

La conversación también deriva en el valor del teatro como derecho cultural. “La situación del Instituto Nacional del Teatro es crítica. Sin ese apoyo, muchas salas no podrían existir. Hacer teatro no es un hobby. Es un trabajo. El acceso a la cultura está protegido por ley. Si el instituto desaparece, desaparece también la posibilidad de que llegue teatro a los pueblos del interior”.

Boscarol reivindica la importancia del teatro como experiencia transformadora, en especial para los más jóvenes. “En Paraná hay un programa que se llama La escuela va al teatro, donde los chicos visitan el teatro, ven una obra y después la charlan. Es una experiencia que te cambia. Imaginate eso para un niño. Ver, sentir, pensar. Esa es la magia”.

Actualmente, Sebastián está en pleno proceso creativo de un nuevo unipersonal, que se estrenará el 11 de julio, dirigido por su compañero Tovio Velozo “Nos resistimos ocho años a trabajar así, en esos roles. Pero ahora está pasando y va muy bien. Poner la cabeza en un proyecto durante meses es algo que solo el teatro te da. Es vivir con eso adentro”.

Cuando se le pregunta por el hilo conductor de su obra, no duda: “Mi poética, como actor y dramaturgo, tiene que ver con la identidad, con los derechos, con decir algo. Me llevó años entenderlo, pero ahora lo sé. Y cada vez que vuelvo a San Francisco, lo hago con eso. Con lo que soy, con lo que hago, con lo que amo”.

Boscarol termina agradeciendo a la Municipalidad de San Francisco, a su intendente Damián Bernarte, a Gabriel Quaranta director de cultura y a Eric Flores responsable del área teatral.

Del 21 al 24 de mayo, el Teatrillo de San Francisco tendrá una programación cargada de música, teatro, danza y emoción. En el marco de la Semana de la Patria, la sala propone una serie de espectáculos que celebran la identidad y el talento artístico de la ciudad, con producciones de Spot Experiencias Artísticas y La Comedia San Francisco.

La agenda comienza el miércoles 21 a las 21 horas con “En voz baja”, un espectáculo íntimo protagonizado por Gabriel Tabares, cantante sanfrancisqueño de amplia trayectoria y actual vocalista de Los Fenders. Con un repertorio que abarca tango, cuarteto, cumbia y música latina, el ciclo propone un formato de entrevista y recital que permite conocer más de cerca al artista. Las entradas son limitadas.

El jueves 22, también a las 21, llega “Noches Patrias”, una propuesta dedicada al folclore argentino con la participación de músicos, cantantes y bailarines locales. Subirán al escenario Mariano Sosa, Nilda Vega, Melina Díaz, Jona Toledo & Emanuel Villalba, Lili Biotti, Claudia Pece & Carlos Díaz, Stella Tita & Adrián Taborda, junto a la Academia Amor y Danza. Este espectáculo ofrece un beneficio 2x1 para jubilados y menores de 21 años, comprando en boletería con DNI.

El viernes 23 será el turno del público escolar con una nueva función de “Chau Señor Miedo”, obra de La Comedia San Francisco que combina humor y un mensaje inspirador para los más chicos. Enmarcada en el ciclo “La Escuela va al Teatro”, esta propuesta ha convocado a más de 2.500 niños y niñas desde su inicio y busca seguir acercando el teatro a las aulas.

El cierre será el sábado 24 a las 21 con la “Noche de Coros”, un emotivo encuentro vocal con la participación del Coro Emigranti, el Coro Mixturas y el Coro Sueños Grandes (de Devoto). Las agrupaciones ofrecerán un repertorio variado, ideal para disfrutar en familia.

Las entradas para todos los espectáculos pueden adquirirse en Plateavip o en la boletería del Teatrillo (9 de Julio 1167) todos los días de 19 a 21 horas.